weegeebored, leafyog, 2007
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What are probiotics?

The World Health Organization defines probiotics as “Live microorganisms which when administered in adequate amounts confer a health benefit on the host”. Probiotics are not to be confused with prebiotics, which are the indigestible food substances that we can eat to selectively stimulate the growth of the microorganisms already present in our digestive tract. Unlike prebiotics, probiotics are living microorganisms that we can ingest in order to provide health benefits. Probiotics are often associated with common foods and health supplements because they are often present in foods such as yogurt, milk, juices and soy beverages. They are also present in dietary supplements and often used in health as a preventative medicine or in the maintenance of overall health.

What types of bacteria are “probiotical”?

The most common type of probiotics that are found in our food and dietary supplements are from the Lactobacillus (L.) and Bifidobacterium (B.) groups. Within these groups, there are many different species such as L. casei, L. gasseri, L. reuteri, L. acidophilus as well as B. bifidum, B. infantis, and B. breve. Before the addition of these probiotics to our food and supplements, safety tests are done to determine if the potential probiotic is safe for human consumption. Because probiotics are simply the administration of bacteria that are already present in your digestive tract, they are often well tolerated. Side effects are usually mild and are gastrointestinal in nature – such as gas or bloating – making it an attractive use in medicine.

What makes a good probiotic?

A probiotic must possess certain qualities in order for it to be effective. First, a probiotic needs to remain viable after it has passed through the highly acidic environment of the stomach. A probiotic has to reach the small intestine, the area where we absorb all of our nutrients from the food we eat, if it wants to confer its health benefits to the host. Second, the probiotic must be able to attach and colonize on the epithelial cells of the intestine. The action of a probiotic colonizing within the intestine acts as a protective measure against the colonization of pathogenic bacteria thereby preventing infections. Finally, it needs to confer its health benefits to the host. These benefits may be to prevent infection of pathogenic bacteria, to secrete substances that may stimulate immune responses, decrease the uptake of fats and cholesterol, or simply secrete molecules that have been shown to promote the health of specific organs in the body.

Probiotics in the prevention and treatment of disease.

Probiotics have already been shown to be helpful in the treatment of diseases, including acute and travellers diarrhea, irritable bowel syndrome, Crohn’s disease and ulcerative colitis. They have also been shown to be useful as having preventative effects for conditions such as skin eczema, vaginal yeast infections and urinary tract infections. Furthermore, probiotics have the ability to give your immune system a boost, thereby preventing or reducing the severities of colds and flu.

For example, when a person takes antibiotics to treat bacterial infections, those antibiotics destroy the “bad” infective bacteria that are invading your body, but they also damage the “good” bacteria that are a part of your natural microflora. As a result, these newly acquired spaces in your digestive tract, once occupied by “good” bacteria, are great places for opportunistic pathogens to invade, causing a secondary infection. The regular consumption of probiotics during antibiotic treatment can alleviate these post-antibiotic treatment infections and be used as a preventative medicine against secondary infection.

Toby Kurk, [060220] Unidentified bacterium dry
tapping-mode (002) xy 620nm z 160nm, 2006
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Potential probiotical drug treatments.

Current research is working towards the development of the first probiotical drug. There are many research laboratories working with specific bacteria that can help in the treatment of specific diseases, such as cardiovascular disease. High levels of Low Density Lipoprotein (LDL) (“bad”) cholesterol and low levels of High Density Lipoprotein (HDL) (“good”) cholesterol, have been associated with cardiovascular disease. Current pharmaceutical medications work towards decreasing “bad” cholesterol and increasing “good” cholesterol in order to prevent cardiovascular disease. Specific probiotical species, such as the Lactobacillus and Bifidobacterium mentioned above, can secrete chemical substances that have been shown to lower “bad” and increase “good” cholesterol, making it a potential in the treatment of cardiovascular disease. Therefore, research is aiming to use probiotics as medications used in the treatment of specific diseases, such as cardiovascular disease.

When “good” bacteria go “bad”.

While the effects of probiotics can be beneficial, studies have also shown that administering a probiotic does not have a permanent effect as the probiotic is not able to colonize permanently. This means the continuous administration of probiotics may be necessary if a persistent effect is desired. Concerns have also been raised about the use of probiotics as medicines because they are living microoganisms that have the ability to change, adapt and mutate. Bacteria have the ability to exchange genetic material, which can mean that bacteria can transfer genes to one another. This can include genes that confer antimicrobial resistance, which is of great concern when it comes to the use of bacterial species in medicines. Bacterial mutations and genetic transfer may prove to be beneficial to the bacterial cell itself, but can also be detrimental to the host, as is the case with antibiotic resistant bacteria. In addition, probiotics are bacteria and therefore have the potential to cause infections, especially in high risk individuals such as children, elderly patients as well as immuno-compromised individuals (such as patients who are HIV positive and individuals who are on chemotherapy treatment). Although probiotics may be useful in the treatment of diseases, we cannot forget that bacteria are living systems that have the potential to change and adapt, making them unpredictable.

Conclusions

Probiotics have already been used in complementary and alternative medicine to help in the treatment or prevention of many diseases such as irritable bowel syndrome, ulcerative colitis, Chron’s diesease and urinary tract infections. Research is currently working towards creating the first probiotical drug to treat specific diseases such as cardiovascular disease. Probiotics are an attractive choice as they are often a bacterial type that already lives symbiotically in your digestive tract, therefore minimal side effects are experienced. As research continues identifying the probiotics that are present in the digestive tract, there will be more and more choices available for probiotical solutions as preventative medicines and in the treatment of disease. Keeping in mind the unpredictability of living micro-organisms, much research still needs to occur in order to determine safe and effective ways to manage health and disease with the use of probiotics.

References:

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Nation Centre of Complimentary and Alternative Medicine. An introduction to probiotics. Available at http://nccam.nih.gov/health/probiotics/introduction.htm. Accessed July 24, 2011.

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World Health Organization. Guidelines for the Evaluation of Probiotics in Food. Available at http://www.who.int/foodsafety/fs_management/en/probiotic_guidelines.pdf. Accessed July 24, 2011.

Joost J. Bakker, sans titre, 2010
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The principle of observation through photography

Visual observation is a cultural process. For this reason, it is socially imbued and, as such, an object of criticism. Before being associated with a scientific method, visual observation is an ordinary practice for everyone. Being a part of everyday life, it seems obvious and common. However, when used through photography as a scientific method of data collection, visual observation differs from the usual practice by a systematization of the observation: it focuses on observation of social life manifestations. Furthermore, its finality is underlined in the scientific description of observed events. Observation is an integral part of ethnography, which in this case focuses on photography as a form of data collection. Therefore, an ethnography based on photography involves a real risk of misinterpretation of social phenomenon observed.

Despite this risk, as a scientific information source able to contribute to the anthropological knowledge of a society, the photographic picture constitutes an ethnographic document. Therefore, photographic pictures have a particular nature: they constitute social links between the observers—the anthropologists—and the observed—the subjects. As a result, photography must be understood as a link between the observed and the observer. Photography, then, results in a social relation. By witnessing the experiences of other people, photography becomes an ethnographic document required for the anthropological analysis. It is through the analysis of its content that the anthropologist makes intelligible the photographic document and extracts the scientific value. The photographic image is thus promoted as a source of knowledge in anthropology.

This process is made possible by showing what is beyond words. Photography reveals the unconscious content in the scene. It contains what is not expressed and what is not translatable by oral and writing tools. Photography, when practiced as an ethnographic method, that is to say when it is conceived as a social link between the photograph and the subject, advances anthropological knowledge. This social relation legitimizes the photographer in the environment studied. This legitimacy further depends on the quality of observation and therefore the quality of information collected. Based on a social relation characterized by confidence between the photographer and his subject, this approach constitutes a scientific method of carrying out specific observations. Thus, it is the quality of this relation that characterizes the scientific content of photography. Indeed, a successful photography implies photographer’s acceptance in the social environment observed (in a family, a village, or a neighborhood).

The photographic technique

Within anthropological research, the photographic technique is the context of production and collection of information that interests the researcher. In addition to social acceptance, successful photography depends on the choices and freedom of the anthropologist to shoot any event characteristic of social life. To ensure freedom of action, knowing the characteristics of neighborhoods subjected to research is essential. That means, firstly, to make contact with population, and secondly, to identify architectural specificities of districts to assess the conditions for outdoor and indoor photography (ambient light, color, reflection zone shadows, architecture and configuration of habitat). In the context of poverty, population approach is a fundamental stage of the methodology: it determines not only the photographic result but also the value of scientific content.

The first approach is immediately supplemented by the observation in situ (extended family settled in neighborhoods), without immediately shooting. Explanations to people involved are essential to decrease initial reluctance, which in many cases proves to be more a form of negotiation that a real objection towards photographer’s presence. Only after regular visits a sense of mutual trust, although relative, can be established. It is at this precise moment that shooting begins.

Aiming to maximize the informative content of photography, shooting is based on the spontaneity of the subject, limiting any constructed behavior. This requirement means taking photographs without giving any indication at the time when the shutter releases. To succeed, the shot must to be as natural as possible, the camera must become one with the photographer and his presence must be forgotten by the subject. To emphasize spontaneity, action of shooting takes place in the continuity of natural movement of scene observed; this is the ethno-photographer that fits his subject and not the reverse. This technique places photography in the heart of the scene observed in order to allow viewer to create an intimate contact with the subject. This element is based on the intimacy created by proximity of observation expressed through photography. Spontaneity and movement highlighted do not break the scene observed: they do not impose a specific photographic time, but instead insert photography in the movement of the scene. Thus, photography testifies to the continuity of movement and is a testimony of people’s living conditions.

EJP Photo, Indirect Observations, 2009
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This photographic technique’s aim is to highlight the first and the second plan of picture. This requires some control over the aperture by favoring an open field to separate the foreground from the second and the third plan. This technique requires a degree of confidence with the subject because this approach implies that photographers present themselves as partners for dialogue and communication. Sometimes a simple glance is enough and more significant than long periods of speech. This approach requires the photographer to become an actor of the observed scene.

To shot the event on film, it is preferred to use professional black & white film with low and medium sensitivity (125 ASA 400 ASA). The choice of the sensitivity depends on ambient light conditions. Furthermore, using a 100 mm focal has the advantage of not distorting the real proportions of the subject and thus helps us preserve the original expression of the body. The use of such material and the use of this technique forces a photographer to keep a distance and to be close to the observed subject at the same time. Distance from the photographer to the subject fits into an intimate relationship. It is necessary to be close to the subject, but at the same time far enough away to preserve freedom of action. It is a social relation, a dialogue in which an ethno-photographer must find his or her place: he or she must not be too close to risk becoming more involved than necessary, and not be too far to risk becoming a stranger to the scene.

Scientific content of photography in the context of anthropological research

There are real difficulties arising from photographic reproduction of phenomena relating to the reality of life in poverty. The reality of observation resulting from photography is a reverse reality, since it is returned to the observer through the framework of photography. The information revealed by photography belongs to the field of cultural re-interpretation of the observation. Without any analysis, photography becomes a presupposition of reality, the subject becoming a picture of what he or she is supposed to be in reality, through the eyes of the observer—the photographer. Photography is an object built in a particular time-space: a photographic time whose framework and timing is determined by a photographer, as well as the focus on particular aspects of the scene observed. To overcome the ambivalence within both—the interpretation of the subject by the photographer, and the reinterpretation of the photograph by the viewer—and to allow photography to become an ethnographic document, photography must be full of sense regarding the description of the scene. This sense is determined through the anthropological analysis of photography. This analysis ranks the subject in his or her original setting and neutralizes all opinion otherness resulting from the emotional interpretation. Moreover, anthropological analysis also needs to decode symbolism contained in photography; anthropological analysis needs to reveal the scientific information and give the photograph the status of an ethnographic document. Thus, photography becomes a way of relating reality by explaining observed phenomena in an original culture. In this way, photography becomes a link between the original culture of the subject and the observer.

Subjects chosen to illustrate perception of poverty research are individuals living in poor neighborhoods and bad conditions. The purpose of such work is to highlight the everyday life through observation of characteristic scenes in the context of poverty. The photographs show individuals in their daily difficulties. This work reflects the experience of poverty as it manifests social life from interior. Photography helps establish the idea of a cultural expression of poverty as manifested through individual and social body. One manifestation of the cultural expression of poverty is underlined by appropriation of space by children and adults living in unhealthy conditions. During my research I have found unhealthy and ravaged areas that became playgrounds for children and places of settlement for people. The cultural dimension of poverty is demonstrated through the ability to transform such an area into a place to live. To shoot those aspects of social life helps make photography a true ethnographic tool.

Conclusion

Photography is a cultural representation. In the case of its use as an ethnographic method, photography is a cultural representation that permits a scientific reinterpretation of social phenomena observed. Through its scientific value, photography becomes a scientific document. Reliability of the ethnographic method based on photography depends as much on what is observed or noted as on the consequent analysis. As an ethnographic document, photography keeps observations alive because it contains the entire observation; moreover, it contains the subjects’ unconscious: their present, their past and their future. The photographic activity in the context of social science research in general and anthropology in particular requires ignoring all sentimental and moral values.

Through analysis, photography will reveal what was not observable at the time of shooting. It will underline details and make them intelligible to the viewer. It will reveal the unconscious content in the scene. Therefore, when the photographic technique is adapted to a specific situation of anthropological fieldwork, it becomes a highly informative form of scientific data collection.

Lorsqu’un jour le peuple veut vivre,
Force est pour le destin de répondre,
Force est pour les ténèbres de se dissiper
Force est pour les chaînes de se briser…

Aujourd’hui les Tunisiens donnent à sa fantaisie poétique l’une des plus belles productions qu’elle peut avoir, la révolution de la dignité en Tunisie.

Crethi Plethi, jasmine-revolution_022,
19 février 2011
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Il y a trois mois, personne n’aurait cru que Ben Ali pourrait un jour ‘dégager’ de la Tunisie ou du pouvoir. Même les plus informés de l’establishment ou les plus illuminés des analystes n’auraient pas imaginé un tel scénario. On croyait que les fils du règne de ce dictateur affranchi étaient tellement bien noués et étendus que personne n’aurait s’aventurer dans une entreprise que l’on estimait perdue d’avance. La famille Trabelsi et, à moindre égard, la famille Ben Ali ont pu mettre sous leur tutelle et à leur service une bonne partie des ressources humaines et matérielles du pays. Ceci, bien sûr, sous le pouvoir protecteur du président déchu et avec la bienveillance de tous les services de sécurité et des membres des différents gouvernements qui se sont succédés au pouvoir, depuis 1987.

Certains disaient, avec une ironie amère, que Ben Ali lui-même serait étonné de l’ampleur du dommage qu’il a pu causer à l’esprit des Tunisiens, et du degré d’asservissement que ces derniers sont devenus capables d’endurer. La situation serait pire pour les enfants du changement, ces jeunes qui ont grandi dans les cafés, les clubs et les stades de football. Mais, à la surprise générale, le miracle a eu lieu, et ce sont ces jeunes, que la Tunisie entière croyait conquis, à jamais, par le football et le désintérêt et acculés à la marge, qui l’ont créé. Ce sont ces jeunes que la majorité des Tunisiens trouvait insolents, ratés et têtes vides qui ont fait tomber l’un des régimes les plus sanguinaires de l’Afrique et du Moyen-Orient. Leur réalisation est d’une ampleur qui dépasse les limites de toute analyse sociopolitique qui la réduirait à une révolte contre la pauvreté, le chômage et l’absence de libertés politiques.

Il fallait voir, dans le manque de respect et l’indifférence attribués à ces jeunes, le signe d’une frustration qui, faute d’être dirigée contre le tyran, s’est dirigée contre des adultes que l’on voyait confinés dans la peur face à une éventuelle vengeance de Ben Ali et de ses hommes qui sont partout. Les jeunes Tunisiens nourrissaient un sentiment d’indignation qui s’est traduit en une révolte contre toute forme d’autorité, une révolte qui a trouvé dans la vulgarité du langage et la provocation sa meilleure expression[ii]. Pendant ces dernières années, ces jeunes ont instinctivement craché, en plein visage de la société tunisienne, leur vérité de soumis, d’opportunistes et même de lâches. Au moment où leurs parents espéraient de Ben Ali l’aumône d’une ouverture politique, aussi pauvre qu’elle eut été, ces jeunes, qui n’ont pas intériorisé la peur de ce régime, ne comprenaient pas l’absurdité de l’état de siège que subissait toute la population et qui non seulement les étouffait, mais atteignait directement leur orgueil. La marge de liberté qu’ils ont arrachée à la société butait sur les aléas d’un régime policier fortement corrompu, et sur les excès d’un système socio-économique valorisant les forbans dont le président, sa femme et leurs familles forment le noyau[iii].

Wassim Ben Rhouma, Under tear gas, 14 janvier 2011
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Dans ce climat chaotique, la révolution des jeunes Tunisiens retentit comme un cri contre ces formes extrêmes de rabaissement et de dénigrement de leur humanité. Elle est le signe d’un refus absolu de sombrer dans l’aléatoire et de se convertir en trafiquants, arnaqueurs ou couards. C’est un sursaut spontané et instinctif d’une dignité blessée : insolents, grossiers, irrespectueux peut-être, mais dignes et libres, par nature. Il leur est définitivement inconcevable qu’une autorité les prive de leur fierté.

La Tunisie que vivaient ces jeunes est, incontestablement, autre que celle qu’enduraient leurs parents. On les voyait parmi nous, mais ils étaient ailleurs dans le monde de leurs rêves, libres comme l’air et fiers comme des coqs. Le jour où leur territoire a été piétiné, leur réaction fut rapide et décisive. Ils n’ont pas attendu de mot d’ordre de l’extérieur ; c’est de l’intérieur qu’ils ont été propulsés, pour défendre leur droit incontestable au respect. C’est à l’appel de la dignité qu’ils ont répondu. Je les entendais dire : « vous pouvez malmener et écraser les autres, mais pas nous. » Par leur sursaut de dignité, ils ont offert au peuple tunisien le plus beau cadeau auquel une nation peut aspirer : la fierté d’avoir vaincu la dictature et d’être enfin libre.

Aujourd’hui, le regard que posent les adultes Tunisiens sur ces jeunes n’a, dans le fond, pas changé. Toutefois, personne n’oserait leur manquer de respect ou nuire à leur orgueil et leur volonté de vivre dignement.

La volonté de vivre

Lorsqu’un jour le peuple veut vivre,
Force est pour le destin de répondre,
Force est pour les ténèbres de se dissiper
Force est pour les chaînes de se briser.

Avec fracas, le vent souffle dans les ravins,
au sommet des montagnes et sous les arbres,
disant :

« Lorsque je tends vers un but,
je me fais porter par l’espoir
et oublie toute prudence;
Je n’évite pas les chemins escarpés
et n’appréhende pas la chute
dans un feu brûlant.
Qui n’aime pas gravir la montagne,
vivra éternellement au fond des vallées. »

Je sentis bouillonner dans mon cœur
Le sang de la jeunesse.
Des vents nouveaux se levèrent en moi
Je me mis à écouter leur chant
À écouter le tonnerre qui gronde
La pluie qui tombe et la symphonie des vents.

Et lorsque je demande à la Terre :
« Mère, détestes-tu les hommes? »
Elle me répond :
« Je bénis les ambitieux
et ceux qui aiment affronter les dangers.
Je maudis ceux qui ne s’adaptent pas
aux aléas du temps et se contentent de mener
une vie morne, comme les pierres.

Le monde est vivant.
Il aime la vie et méprise les morts,
aussi fameux qu’ils soient.
Le ciel ne garde pas, en son sein,
les oiseaux morts et les abeilles ne butinent pas
les fleurs fanées.
N’eût été ma tendresse maternelle,
les tombeaux n’auraient pas gardé leurs morts. »

Extraits
Abou Alkacem Achebbi, 1933.

Notes

[i] Abou Alkacem Achebbi, extraits de son poème La Volonté de Vivre, écrit à Tabarka, au nord de la Tunisiem le 16 septembre 1933 et traduits par S. Masliah. Dans Abderrazek Chraït, Abou el Kacem Chebbi, éd. Appolonia, Tunis, 2002, p. 45.

[ii] Pendant les dix dernières années, l’usage de termes obscènes, dans les lieux publics et les établissements scolaires, est devenu tellement répandu parmi les jeunes que ce phénomène a fait l’objet de plusieurs programmes télévisés et de compagnes de sensibilisation. D’autres phénomènes, nouveaux et provocateurs pour la société tunisienne, ont pu également avoir lieu tels les baisers bouche-à-bouche et d’autres comportements à caractère sexuel que l’on ne voyait jamais à l’extérieur des murs des maisons.

[iii] La famille de Ben Ali détenait 40% de l’économie tunisienne. Voir Fabrice Amadeo, « Ben Ali-Trabelsi : les pillages d’une famille en or », www.lefigaro.fr, 22/01/2011.

Travlr, Framed Goat, 2009
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Justification of the approach

Anthropology analyzes the manifestations of social life. Observing details, the anthropological approach allows the comprehension of conscious, unconscious and symbolic events that constitute social life. The fundamental object of anthropological studies, as Marcel Mauss[i] pointed out in 1950, is human life.

As an interpretation of cultural phenomena, anthropology at the same time seizes collective phenomena and individual expressions, both of which are the manifestations of social life. Consequently, the specificity of an anthropological research lies in its capacity to describe observations of different cultures without any a priori opinion. Ethnography, as one method of investigation under the umbrella of Anthropology, refers to the collection, classification and transcription of information collected during the research. It reports the observation of events and constitutes the memory of testimony. Assuming ethnography to be the transcription of raw data, one should consider the fact that any ethnography is part of the observation process and thus constitutes a primarily cultural interpretation of the observer. Indeed, does the eye that sees and the ear that listens represent “culture”. An objective interpretation does not exist because it relies on the cultural background of the interpreter; however thought and ordered, all interpretation is socially built and thus unable to perceive without preconceived notions.

In Exercices d’ethnologie, Robert Jaulin[ii] highlights these problems by showing that the observation faculty is linked to the cultural interpretation process. This characteristic of human reason clearly reflects the limit of our observation when used to report social phenomena. This seems to be in opposition to any scientific approach. Consequently, any ethnographic method must consider this restrictive aspect. In fact, the mere presence of the researcher near the population he wants to study does not guarantee the success of the ethnographic study. The scientific value of the analysis depends on the precision of the observations reported, taking into account the subjectivity of the observer as well as other ethnographic discourses. Any anthropological observation should aspire to self-criticism and embrace doubt. The first research challenge is not physical but rather intellectual, since it requires a sincere determination to, as much as this is possible, neutralize a priori perspectives. Anthropological research forces the anthropologist to complete a process of self-reflection in order to diminish exoticism and ethnocentrism. He must transform the experience of personal life and research into scientific work.

The ethnographic methodology presented in this article is based on the practice of photography. This method does not lack difficulties, some of which are directly related to the scientific value of the information collected through visual support such as the photo itself. By constituting an extension of the human eye, the photographic picture is a direct result of a cultural process. Thus, it is legitimate to assume that photography, by focusing on specific parts of the observed scene, can contribute to the imposition of subjective perspectives that might not reflect reality. This danger, applicable to all the ways of anthropological data-gathering, reminds us that a photograph provides a subjective portrayal of reality because it represents the visual and psychological interpretation of the observer (photographer). The need “to frame” a particular event constitutes a first division of the reality observed, based on the choice of the observer. Nevertheless, a careful selection of the subjects photographed, the use of particular photographic techniques, and the scientific analysis of the material, allows us to overcome the limitations of photography as an ethnographic tool. Thus, photography can serve as a data acquisition method that allows a collection of information with scientific value that may exceed that collected by other tools, particularly writing.

With this in mind, let us consider the practice of photography in the context of a scientific approach that views society in its entirety. This approach claims that society is not made up of a linear continuation of individuals but that it forms an indivisible totality. This totality includes behaviours, structures and values, which characterise the society that Ethnography proposes to reveal via photographs. Before presenting the suggested methodology, let us first present the characteristics of research conducted with marginalized populations of Dakar, the capital of Senegal, and Dire Dawa, a town in Ethiopia.

Poor districts of Dakar and Dire Dawa: an example of a harsh environment for anthropological research

A. Davey, Dire Dawa, Ethiopia, 2007
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At first impression, Dakar seems to be an unpleasant city. Its size and intense traffic create a busy atmosphere. In addition, the harassing and daily requests of the bana bana[iii] and street hawkers of any kind provide a constant source of agitation. Moreover, the study of the perception of poverty requires tying strong relations with populations that are difficult to reach due to their economic and social conditions. These elements make the observation fragile. Poor populations occupy certain districts described as unhealthy and dangerous, where high crime rate is prevalent and where the majority of residents live under very poor conditions. For a few years, a renewal of violence in certain poor districts during religious holiday periods, such as the tabaski[iv], has made it difficult to carry out ethnographic research in these places.

For these and other reasons, conducting anthropological research in the poor districts of the capital is difficult, particularly since Senegal is an “ethnologized” country, i.e., the population is frequently the subject of various studies financed by local authorities, international organizations and institutions; this represents an additional difficulty with the investigation of families, insofar as the population has certain “experience” with research. Thus, people may be fast to reply a question in a biased way, or worse, adopt an attitude that is intended to satisfy the interrogations of the researcher. In addition, the rise of mass tourism since the 1980s has strongly influenced the lifestyle of the population and contributed to establishing certain ideas regarding the western way of life. This may have contributed to the construction of an a priori notion associated with the researcher. These characteristics of the Senegalese capital are additional challenges for conducting anthropological research in situ.

Tourists specifically, and westerners in general, are often judged as being uninterested in the culture of the country and insensitive to the living conditions of the local population. Although this interpretation reflects a certain reality of the majority of tourists, it strongly harms the anthropologist. Consequently, anthropologists are indirect victims of mass tourism and popular beliefs. They too are harassed, like any other foreigner, by street hawkers and curious people, who try to profit on the westerners. In addition, some people may try to sell their contribution to the study and provide false information attempting to satisfy the anthropologist. There is no doubt that, despite all his or her efforts, the anthropologist is still seen as a foreigner in the eyes of the local community.

Dire Dawa, located in Ethiopia, also poses many difficulties when it comes to carrying out research on poverty. First, political tension in this area close to Ogaden, a region bordering with Somalia, is intense and constant. Ethiopian military troops are deployed in order to ensure the control of its border with Somalia and to limit incursions of armed groups into the area. This area is characterized by residual tension and sporadic confrontations with various armed groups. This element poses an additional difficulty in conducting anthropological research in Dire Dawa. Indeed, authorities are cautious and suspicious with foreigners and even more so with people who are devoted to research on a sensitive topic such as poverty and displacement of populations at the regional level. Researching poverty forces the researcher to answer questions regarding the reasons for his presence in the area and regarding the goals of his or her work. Also, the risk of bomb attack should not be overlooked. In June 2002, Dire Dawa was subjected to bomb attacks by the Oromo Liberation Forces, an upheaval that, however, did not claim any casualties. More recently, in May 2008, a few weeks after my field work was completed, a murder attack struck the capital Addis-Ababa.

The flow of refugees coming from Ogaden and Somalia creates problems for the Ethiopian authorities. This flow is an important cause of Dire Dawa’s population increase. The majority of newcomers settle in peripheral districts, developing the urban space in a disorderly fashion. In addition, increased density of the population is accompanied by an increased instability of living conditions and a lack of security in the poor districts and suburbs. Problems relating to refugees remain taboo for local administrations; the latter are reluctant to recognize the refugees’ needs and are unwilling to address the unstable social and economic living conditions of these populations.

Although these research difficulties are attenuated over time, the anthropologist is constantly observed by the local population, becoming the study subject of his own subjects. This is characteristic of any ethnographic research field and it forces the anthropologist to create a specific methodology, which takes into account the characteristics of the research environment as well as his own personality. As for me, I chose to appear as a photographer. This choice had two goals. First, it was used in order to limit personal interrogations and, second, to provide a legitimate reason for my presence in the area while creating a role for myself within the community. Indeed, presenting oneself as an anthropologist is often difficult to explain: the work and research goals are never easy to comprehend. Choosing to appear as a photographer helps avoiding ambiguities related to my presence in the area and allows me to be an actor while enabling me to preserve a certain freedom for conducting my field work. For me, this role constructed my research-field character—simultaneously a photographer and an anthropologist—a role that I named Ethno-photographer.

Creating the Ethno-photographer: the focal point of the anthropological approach.

G.A. Hussein, le gare, 2005
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Anthropological research based on the practice of photography presupposes an initial phase in which one must create the first contact with the population studied. This requires establishing oneself as a photographer whose purpose is to document the social life of the district. Using an easily identifiable character, like a photographer, seems to have proven reliable by other anthropologists such as Laurence Wylie[v] who in September 1950 settled in Peyrane,[vi] Vaucluse, and used photography to approach the local population.

Field work requires the building of a network of relationships. This is a necessary condition, ensuring access to information. Using that tool, the anthropologist must become an active observer, establishing dialogue in order to reach the information he is looking for. Though it may not be problem-free, the choice to appear as a photographer creates a local role, which allows participating in the community’s activities. The behaviour and choices that follow from this approach are easily understandable to the target population and my social and cultural status is clear: for them I am a photographer, and for myself I am an anthropologist and a photographer at the same time, an Ethno-photographer.

Establishing relationships based on trust seems to be a prerequisite for the practice of photography in particular, and when conducting anthropological research in general. Among Senegal’s poor appearance is a decisive criterion in creating social relations, also determining the qualitative aspect of the relation. Appearance refers both to the physical and dress appearance and to gestural and linguistic expression. The element of appearance has a dominant role in the process of identification and construction of relationships between individuals. The anthropologist should, as much as possible, be free to choose his or her relations, since he or she meets some individuals who may be interesting subjects for his research as well as others who are less so. The anthropologist must also provide a certain amount of information about him- or herself. The extent to which a participant will open up to the researcher and the quality of the information he or she will provide depends on establishing a trusting relationship between the two.

The anthropologist and the interviewee do not speak the same language and in the case of my research, the interviewee is not from the same social and cultural environment. As for linguistic differences, difficulties of interpretation are important to pay attention to. In spite of using the French language, the meaning of words is not identical, sometimes not even similar. Cultural referents usually differ within the same society, let alone from one society to another and from one social class to another. Partly in order to limit the risks of an erroneous interpretation of information, photography is used in combination with audio recording of the conversations and, whenever possible, note taking. These aids, far from being contradictory, are in fact complementary. The photograph itself allows for a description of a symbolic idea contained in the discourse and the physical world, while the recorded conversation and notes enrich the context of the picture and its subject matter.

End of Part One

The second part of this article will discuss the photographic technique and the scientific content in photos in the context of anthropological research.

Notes

[i] Mauss, 1950 : 285

[ii] Jaulin, 1999 : 43

[iii] Street sellers

[iv] The al aide kabire (tabaski) is celebrated two months and approximately ten days after the Ramadan. It is one of the most significant religious events in West Africa.

[v] Wylie, 1968 : 18

[vi] Such as the author mentions it, the name “Peyrane” does not correspond to the real name of the village, this one having been voluntarily dissimulated in the work of the author.

James Savage, Wall Art, 2007
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La Havane, 2006. Manuel d’instructions

Dans un quartier de la banlieue havanaise, un projet hors du commun démarre environ un an avant l’ouverture de la 9^e Biennale de La Havane au CENCREM (Centro Nacional de Conservación, Restauración y Museología). Hebdomadairement, les artistes cubains engagés dans cette aventure se rencontrent chez Mario Miguel Gonzalez (Mayito), concepteur et commissaire de l’exposition, pour recycler des réfrigérateurs. La particularité de ce recyclage réside dans le caractère dual du ready-made obtenu qui nous place simultanément en présence de l’objet-frigo (l’artefact en soi) et de l’image-frigo (ce que ces appareils représentent dans la conscience populaire). La plupart de ces spécimens, de marque Westinghouse, Frigidaire, General Electric, Philco, Gibson, Crosley et Kelvinator, réactivent, en deçà de leur « personalisation », autant de souvenirs de l’époque dorée de l’économie cubaine (des années 1940 et 1950 et de la « collaboration » avec l’ex-URSS) que de celle des deux dernières décennies (marquées quant à elles par la pire crise financière que le pays ait jamais connue).

L’exposition collective Manuel d’instructions, présentée en primeur dans le cadre de la 9^e Biennale de La Havane en 2006, démontre que le recyclage d’ordures (une cinquantaine de réfrigérateurs) peut tenir lieu d’archive. Dans une large acception, nous envisageons les archives comme des traces de toute nature, conservées en vue d’une utilisation éventuelle. Elles découlent autant de l’activité d’une institution que de celle d’un individu ou d’un groupe[i]. Le recyclage et la mise en exposition des réfrigérateurs permettent leur lecture comme des archives du ménage cubain et participent d’une réflexion sur les mythes et épisodes jalonnant les expériences quotidiennes des leurs propriétaires.

L’utilisation de l’ordure dans le domaine artistique ne date pas d’hier. Plusieurs mouvements artistiques, dont l’arte povera et l’art trash, ont amplement pioché dans ses potentialités. Depuis plusieurs décennies, des œuvres emblématiques telles que Open House (1972) — un conteneur transformé en habitation par l’artiste new-yorkais Gordon Matta-Clark à l’aide de matériaux recyclés — revendiquent le statut de matériau artistique officiel pour le déchet.

Le critique d’art français Nicolas Bourriaud applique le terme « postproduction » – emprunté au monde de l’audiovisuel – au domaine artistique et le redéfinit comme l’ensemble des activités qui visent à « s’emparer de tous les codes de la culture, de toutes les mises en forme de la vie quotidienne, de toutes les œuvres du patrimoine mondial, et de les faire fonctionner »[ii]. La postproduction « autorise » ainsi les artistes à employer des formes préexistantes comme matériaux de création. Le déchet, qui désigne tout ce qui dans nos sociétés est dépourvu d’une fonction quelconque, se taille une place de choix dans le catalogue des produits réutilisables :

À partir de ce qui est rejeté comme sans utilité, sans intérêt, sans valeur économique, affirme Gérard Bertolini, l’enjeu consiste à découvrir et à produire d’autres ou de nouvelles richesses. L’artiste prend l’ordure à rebours, à contre-courant, pour la magnifier, la sublimer, en extraire la poésie et l’ironie[iii].

Dans Manuel d’instructions, les artistes ont choisi d’habiller les frigos pour individualiser davantage la réflexion et étendre, en conséquence, son champ de signification. La dimension utilitaire de cet objet de la vie quotidienne, de conservation et préservation des aliments, a été en général sauvegardée par les artistes. Le travail acharné des mois durant a finalement abouti à Manuel d’instructions, une exposition unique offrant un panorama du Cuba d’aujourd’hui. Les angoisses, les attentes, les légendes et les croyances du peuple cubain sont présentes implicitement dans les re-créations de ces réfrigérateurs.

Détournements

Confronté à cette archive « culturelle », le public est mis au défi de décoder le cumule d’informations proposées par les cinquante-cinq « objecteurs »[iv] cubains. D’après le philosophe français Paul Ricœur, la constitution d’une archive place, « au premier plan, l’initiative d’une personne physique ou morale visant à préserver les traces de sa propre activité ; cette initiative inaugure l’acte de faire de l’histoire »[v]. L’initiative de collecter une partie des électroménagers, bannis par le gouvernement cubain, et qui a précédé l’exposition de Manuel d’instructions, correspond à cette étape. D’autres étapes décrites par Ricoeur dans son propre « manuel d’instructions » illustrent également la mise sur pied de l’exposition :

Vient ensuite l’organisation plus ou moins systématique du fonds ainsi mis à part. Elle consiste en mesures physiques de préservation et en opérations logiques de classification relevant au besoin d’une technique élevée au rang archivistique. Les unes et les autres procédures sont mises au service du troisième moment, celui de la consultation du fond dans les limites de règles en autorisant l’accès[vi].

À la lumière de ces directives, Manuel d’instructions se déploie en trois catégories. Une dizaine d’artistes transfèrent des fragments de leurs œuvres bidimensionnelles et/ou tridimensionnelles sur la surface des artefacts récupérés. Dans les faits, les artistes de cette catégorie n’offrent pas mieux que des frigos repeints, qui remplacent alors les supports traditionnels tels que la toile, le papier ou le bloc de marbre. Cette section accueille les prestations de Zaida del Rio et de Roberto Fabelo, deux peintres des plus renommés et institutionnalisés de la scène artistique cubaine. Ceux-ci ratent, en reproduisant leurs univers visuels lassants, une opportunité de rafraîchir leur pratique artistique dans le cadre de cette exposition. Cependant, grâce aux photographies de René Peña, cette première catégorie échappe, de justesse, à la catastrophe. Les photographies de Peña recouvrent les quatre côtés d’un réfrigérateur et dévoilent, à tour de rôle, la silhouette d’un homme nu visible de face, de dos et de profil. Ici, la figure humaine se fusionne au corps de l’appareil pour en faire une seule chair ou un homme-frigo. De plus, la nudité renvoie ici à la nudité du frigo cubain, à son vide causé par une crise économique qui frappe le pays depuis deux décennies.

Quoiqu’un certain nombre d’artistes ait ignoré les potentialités du matériau, le reste des participants en a saisi les enjeux. La plupart des frigos ont été déguisés en voiture, en canette de bière, en valise, en confessionnal, en librairie, en cercueil, en sac à main, en monument commémoratif ou encore en cheval de Troie. Dans cette deuxième catégorie de l’exposition, le détournement de l’objet-frigo évoque des personnages, des événements voire des lieux. D’après Jacques Dürrenmatt, une métaphore in proesentia contient dans l’énoncé métaphorique les deux termes comparés[vii]. Dans ce deuxième lot d’œuvres, les constituants de l’énoncé métaphorique, à savoir l’objet-frigo (élément comparé) et l’objet recherché (comparant), sont parfaitement détachables. L’objet-frigo est investi d’une fonction symbolique, qui s’ajoute à sa condition première d’appareil destiné à la conservation des aliments. Alejandro Leyva, entre autres, emprunte ce chemin. Pour créer la « sculpture » General Eléctrico, cet artiste a peint son réfrigérateur en vert kaki et l’a orné de décorations militaires. En regardant cette œuvre, la figure de Fidel Castro, qui affectionne la tenue militaire, surgit devant nos yeux. De plus, l’une des trois médailles est munie d’une résistance électrique, ce qui pointe la durée du mandat et la longévité du Leader Maximo. D’autres métaphores présentes dans cette section sont tout aussi réussies. Mentionnons à ce titre le frigo-chaîne stéréo de Carlos Omar Estrada, le frigo-librairie marxiste d’Antonio Espinosa, rempli de livres dits « autorisés », ainsi que le frigo-monument commémoratif de Vicente Bonachea, habillé d’une peau en gazon parsemée de rubans rouges (symboles de la solidarité envers les personnes porteuses du VIH/SIDA) tout en affichant l’épitaphe suivante : « À ceux qui sont tombés dans l’accomplissement sacré du plaisir »[viii].

Toujours sur une note réussie, certaines métaphores recèlent un profond désir de mémoire. Le frigo-Malecon de Mario Gonzalez (Mayito) remémore (« congèle » pour ne pas l’oublier) un événement funeste des années 1990 à Cuba : la tragédie des balseros[ix]. Ce frigo déguisé en morceau de Malecon — bout de promenade longeant la baie de La Havane — nous ramène à l’été 1994 où près de 30 000 personnes se sont jetées à la mer sur des embarcations de fortune dans l’espoir d’atteindre la Floride. D’autres sujets fétiches du peuple cubain, bien qu’aussi dramatiques, sont abordés avec une pincée d’humour (noir) par plusieurs artistes. Pour concevoir son frigo-cage, l’artiste Neils Moleiro s’est inspiré de la légende urbaine qui raconte que de nombreuses familles mettaient des cadenas sur leurs frigos pendant les pires années de la « période spéciale »[x] afin de rationner les denrées. Sur la même trame humoristique, on retrouve l’œuvre de Luis Enrique Camejo : son frigo-Fast Food, fruit du croisement entre un réfrigérateur et une Chevrolet des années 50.

Finalement, le détournement fait perdre aux frigos leur valeur d’usage. Les artistes de cette catégorie anéantissent la fonction originale de ces appareils. En se servant de ces artefacts comme simples matériaux de création, ils obtiennent des métaphores in absentia, où « le comparé peut aller jusqu’à disparaître »[xi] pour laisser la place au comparant. Ainsi, José Antonio Hechavarria transforme un des frigos en réservoir d’eau déguisé en cheval de Troie, supprimant du coup les empreintes de l’appareil électroménager. Ce détournement reflète la réalité des ménages cubains qui se retrouvent fréquemment privés d’eau courante pendant des semaines en raison du fonctionnement instable des aqueducs.

Paris, 2007. Monstres dévoreurs d’énergie

L’« insularité » de cette exposition n’a pas empêché qu’elle accapare l’attention de maintes institutions culturelles outre-mer. Après Madrid et Milan, les frigos se sont rendus en vedettes à Paris. Ils y ont débarqué dans le cadre de l’événement Les Étés de la danse, auquel participait le Ballet national de Cuba, en juillet 2007. Sous le titre peu aimable de Monstres dévoreurs d’énergie, les réfrigérateurs de Manuel d’instructions furent logés pêle-mêle dans l’immense nef du Grand Palais. Malheureusement, l’engouement que cette exposition a suscité en sol cubain n’a pas trouvé d’écho à Paris, où elle n’a soulevé que des critiques détractrices voire furibondes. De surcroît, les frigos, aménagés à proximité de gradins, semblaient décorer la grande nef et préparer l’ambiance pour les prestations de la prestigieuse compagnie cubaine de ballet. Égarés dans cet immense espace et éloignés de leur « chez eux », ils se sont retrouvés incompris. Dépourvus de leur valeur symbolique et de leur public cible, l’interprétation des spectateurs parisiens les a réduits au rang d’objets beaux, drôles, troublants, sexy et kitsch[xii]. Ces adjectifs confirment l’accès restreint à cette archive constituée de documents qui interpellent la mémoire, de déclencheurs de récits voire de passeurs intraculturels.

Cette inaccessibilité interpelle : les récits sont-ils inscrits dans l’œuvre ou dans le spectateur ? François Dagognet propose une négation fâcheuse de la subjectivité du spectateur dans son livre Éloge de l’objet (1989) où il écrit : « N’importe quel objet, même le plus ordinaire, enferme de l’ingéniosité, des choix, une culture. Mieux vaut donc chercher l’humain dans cette direction et éviter justement l’impasse noire de la subjectivité qui ne mène nulle part »[xiii]. Or, on l’a répété ad nauseam : le sens de l’œuvre éclot d’une collaboration active entre celle-ci et le spectateur. Par conséquent, ces frigos habillés constituent une archive consultable seulement par ceux qui en possèdent les codes culturels. L’archive, comme dispositif d’accumulation, comme gardien de la mémoire (et des mémoires), comme metteur en scène des preuves du passé renferme, de la sorte, une dimension culturelle.

À Paris, le facteur de l’expérience a joué un rôle déterminant en ce qui concerne la saisie du caractère métaphorique de cette exposition. Cela corrobore ce que l’on connaît et que l’on oublie parfois : les consommateurs de l’œuvre d’art participent également à sa production ; ceux-ci amorcent les récits en fonction de leur expérience. Ainsi, si les spectateurs parisiens ne lisent rien dans les monstres dévoreurs d’énergie, c’est parce que nulle part ailleurs que dans un ménage cubain les réfrigérateurs deviennent autant des membres de la famille.

Pour voir des images des oeuvres tirées de l’exposition: http://www.havana-cultura.com/html/FR/arts-plastiques/los-frios/montruos-devoradores-de-energia.html

Notes

[i] Voir Merewether, C. (2006) (dir.). The Archive, London : Whitechapel ; Cambridge, Mass. : MIT Press.

[ii] Voir Bourriaud, Né (2003). Postproduction. La culture comme scénario : comment l’art reprogramme le monde contemporain, Dijon : Presses du réel, p. 10.

[iii] Bertolini, G. (2002). Art et déchet: le déchet, matière d’artistes, Angers: Polygraphe, p. 26.

[iv] Les objecteurs sont des producteurs d’objets qui s’opposent (posent une objection) à la nature de ces derniers. En détournant un fragment de la réalité, les objecteurs s’opposent à cette dernière, porteuse du modèle « original ». En conséquence, la réalité devient un lieu d’extraction de symboles, lesquels sont ordonnés a posteriori dans la production d’œuvres d’art, engendrant une autre réalité. Voir Somoza, A. et F. Suazo (2002). « El objeto esculturado », dans Déjame que te cuente. Antologia de la critica en los 80, Gonzalez M., Parson T. et J. Veigas (dir.). La Havane: Ediciones Arte Cubano.

[v] Ricoeur, P. (2000). La mémoire, l’histoire, l’oubli, Paris : Éditions du Seuil, p. 212.

[vi] Ricœur, op. cit., p. 212.

[vii] Voir Dürrenmatt, J. (2002). La métaphore, Paris : H. Champion.

[viii] Traduction de l’espagnol par l’auteur.

[ix] Nom sous lequel sont connus les milliers de Cubains qui ont tenté d’atteindre la Floride en 1994 sur des embarcations précaires.

[x] Après l’effondrement du camp soviétique, le gouvernement cubain décrète en 1991 une « période spéciale en temps de paix ». Celle-ci marque le début de plusieurs années de rationnements sévères, en particulier des denrées alimentaires.

[xi] Dürrenmatt, op. cit., p. 15-16.

[xii] Pour lire des réactions sur cette exposition parisienne, consulter le lien suivant : http://lunettesrouges.blog.lemonde.fr/2007/07/29/des-monstres-devoreurs-denergie/

[xiii] Dagognet F. (1989). Éloge de l’objet, pour une philosophie de la marchandise, Paris : Vrin, p. 12.

David_Reverchon, La Faucheuse Versaillaise, 2008
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Un accord inquiétant

Au cours de la dernière décennie, les milieux militants se sont réjouis de l’abandon de la Zone de libre-échange des Amériques (ZLÉA) et des échecs répétés du Cycle de Doha tenu sous l’égide de l’Organisation mondiale du commerce (OMC). Le libre-échange, pièce maîtresse de la mondialisation capitaliste, n’a pas pour autant été relégué aux oubliettes. Seulement, la formule multilatérale de négociation des traités de libre-échange a laissé place à la multiplication de traités bilatéraux.

L’objet de ces traités demeure le même : ils permettent aux corporations qui en ont les moyens de s’installer là où bon leur semble, préférablement là où les impôts, les salaires, les normes environnementales et la réglementation du travail sont les plus bas. Ils ouvrent également à la privatisation et à la déréglementation de nouveaux pans de notre patrimoine collectif, notamment la culture, les soins de santé et l’eau.

Grâce aux traités de libre-échange, les corporations et leurs représentants mettent en compétition les États les uns contre les autres en brandissant la menace des délocalisations et des pertes d’emplois. Dans ce contexte, offrir un environnement d’affaires « attrayant » pour les investisseurs entraîne un coût élevé : octrois de subventions gouvernementales et de crédits d’impôts à des corporations qui font déjà des profits de plusieurs milliards ; pressions à la baisse sur les salaires ; redevances ridicules sur l’exploitation des ressources naturelles ; passe-droits sur les dégâts environnementaux causés par l’activité économique privée. Voilà autant d’exemples de la nature de l’« avantage stratégique » conféré par les traités de libre-échange aux pays signataires[1].

Les travailleurs et les travailleuses subissent directement un chantage de même nature. Il n’est ainsi pas rare qu’au sein d’une même entreprise multinationale, les syndicats locaux soient mis en compétition les uns avec les autres lors du choix de l’emplacement d’une nouvelle unité de production ou lors de la renégociation des conventions collectives. Coupures dans les salaires, abandon de pans complets de la couverture d’assurance, atteintes aux normes du travail, diminution du temps des vacances : voilà autant de « bénéfices » concrets pour les travailleurs et les travailleuses qui espèrent conserver leurs emplois dans un contexte de libre-échange[2].

Atteintes à la démocratie

L’enjeu des traités de libre-échange apparaît largement « économique ». Il est aussi éminemment politique. Ces traités favorisent en effet une redistribution inéquitable des ressources en faveur des grandes corporations et des élites économiques mondiales avec, pour conséquence, une concentration encore plus grande des richesses entre les mains d’une minorité déjà bien nantie[3]. Négociés à huis clos, les traités de libre-échange contiennent également des clauses qui éloignent les citoyens des décisions concernant l’avenir de leur collectivité.

Les traités de libre-échange lient les mains des gouvernements et permettent aux corporations de poursuivre ces derniers devant des tribunaux spéciaux si elles jugent que des programmes sociaux, des subventions ou des réglementations gouvernementales entravent leur quête de profit. La capacité des États à financer des services publics accessibles et de qualité est ainsi menacée. Il en est de même de leur capacité à réglementer l’exploitation des ressources naturelles, à protéger le patrimoine culturel et à soutenir les entreprises locales.

Sous le régime juridique de l’ALÉNA, les exemples concrets de telles poursuites sont nombreux. En 1997, la corporation Metalclad poursuit le gouvernement mexicain en justice à hauteur de 90 millions de dollars parce que les autorités locales avaient refusé les permis nécessaires à l’exploitation d’un dépotoir sur un terrain contaminé par des produits toxiques, par crainte de polluer les nappes phréatiques avoisinantes. La même année, Ethyl Corporation intente un procès contre le gouvernement canadien pour 251 millions de dollars : celui-ci avait interdit l’ajout d’un additif chimique démontré toxique, le MMT, dans l’essence destinée aux automobiles.

Dans les deux cas, les tribunaux de l’ALÉNA ont contraint les gouvernements à payer des sommes considérables aux entreprises « lésées », tout en leur permettant de poursuivre leurs activités comme avant. Les nappes phréatiques et les réseaux d’aqueduc pollués par Metalclad empoisonnent toujours des communautés. Les Canadiens, pour leur part, respirent encore le MMT contenu dans l’essence[4].

Un accord « plus englobant »

Aux dires du ministre canadien du Commerce international, Peter Van Loan, l’AÉCG « ira plus loin et sera plus englobant » que l’ALÉNA[5]. Suivant les demandes des représentants de l’Union européenne, il est probable que l’AÉCG englobe les services d’eau potable et garantisse aux multinationales européennes un accès à nos réseaux publics d’aqueducs. L’AÉCG poussera également plus loin les contraintes qui pèsent sur l’agriculture québécoise et canadienne. Selon le Réseau pour le commerce juste, il y a de fortes chances que l’accord élimine « le droit des agriculteurs de conserver, de réutiliser et de vendre leurs semences », un précédent en matière d’attaque contre la souveraineté alimentaire[6].

Le temps presse. Les négociations, en effet, vont « étonnement bien »[7]. Il faut dire qu’en plus des quatre rondes de négociation déjà accomplies en douce, les discussions entourant l’AÉCG ont bénéficié de la tenue du G20 à Toronto en juin dernier. Les dirigeants politiques hésitent désormais à se proposer comme hôtes de ce genre de sommets. Ceux-ci sont coûteux, font scandales car ils sont tenus à huis clos et sont souvent l’occasion de violations des droits humains par les forces policières. À contre-courant, Stephen Harper a démontré un empressement rarement égalé à vouloir être l’hôte du G20.

Cet enthousiasme s’explique largement par l’opportunité que le sommet représentait de pousser plus en avant l’agenda du Canada en matière de libre-échange[8]. Profitant de la tribune internationale offerte par la réunion au sein d’une même enceinte des dirigeants politiques des pays les plus industrialisés, de même que des représentants non élus du milieu des affaires et de la finance, le Canada a martelé, pendant toute la durée de l’évènement, l’importance du libre-échange.

Le message, bien sûr, s’adressait largement aux États-Unis, tentés depuis la dernière crise économique par des mesures protectionnistes du type « Buy American Act ». Il visait également à conforter la collusion canado-européenne sur l’AÉCG. Deux semaines seulement avant la quatrième et avant-dernière ronde de négociation prévue, le Canada ne pouvait choisir un meilleur moment pour se proposer comme hôte du G20.

Catalyser les forces populaires

Dans la rue lors du G20, peu de banderoles, de communiqués et de discours ont ciblé spécifiquement l’AÉCG. Rien à voir avec l’ampleur et la saillance de l’opposition à la ZLÉA lors du Sommet des Amériques à Québec en 2001. L’enjeu avait catalysé les forces populaires des deux Amériques pendant plusieurs années, contribuant à donner aux contestations altermondialistes du tournant du millénaire sa force et son ampleur. L’entrée en vigueur de l’ALÉNA le 1^er janvier 1994 avait, elle aussi, marqué une recrudescence de la résistance populaire avec, entre autres, le soulèvement du mouvement zapatiste au Chiapas, considéré depuis comme l’un des principaux symboles de la lutte contre le néolibéralisme.

L’occasion de regrouper les luttes autour de la dénonciation de l’AÉCG a été en partie manquée lors du dernier G20. Il n’est cependant pas trop tard pour mettre la main à la pâte : du 18 au 22 octobre 2010 se tiendra la cinquième et, possiblement, la dernière des rondes des négociations. Celle-ci aura lieu à Ottawa. Elle sera d’autant plus importante que les parties discuteront « des questions plus sensibles, comme les questions agricoles et l’ouverture des marchés publics »[9].

L’événement ne doit pas passer inaperçu : en renforçant le pouvoir des entreprises au détriment de celui des citoyenNEs, c’est au prix d’une diminution de notre capacité collective à décider de l’avenir de nos services publics, de nos conditions de travail et de nos institutions démocratiques que l’AÉCG sera signé en 2011. Les conséquences de cet accord seront d’autant plus dévastatrices pour les QuébécoisEs que le gouvernement de Jean Charest exerce déjà une pression soutenue pour la privatisation des ressources naturelles ainsi que des systèmes de santé et d’éducation québécois.

Entre autres événements auxquels les citoyens sont invités, une soirée d’information est organisée par ATTAC le 20 octobre au Bar populaire (à Montréal) et une manifestation d’envergure est prévue le 22 octobre à Ottawa[10].

Notes

[1] Voir Charles-Albert Michalet (2004). Qu’est-ce que la mondialisation?, Paris : La Découverte.

[2] Voir Dan Crow et Greg Albo (2005). « Nafta, Neoliberalism, and the State of the North American Labour Movement », Just Labor, vol. 6 et 7, p. 12-22. www.justlabour.yorku.ca/volume67/pdfs/02%20Albo%20Press.pdf

[3] Voir Simon Granovsky-Larsen (2010). « Upsetting Neoliberalism: The End of an Era in Latin America », Problématique, vol. 12, no. 3, p. 42-63. http://www.yorku.ca/problema/issues.html

[4] Pour en savoir plus, consultez Rémi Bachand (2001). « Les poursuites intentées en vertu du Chapitre 11 de l’ALÉNA », Cahier de recherche, vol. 1, no. 11, octobre. https://depot.erudit.org/retrieve/589/000201pp.pdf

[5] Propos rapportés par l’agence Reuters, le 23 avril 2010. http://www.reuters.com/article/idUSN2318779620100423

[6] Publié par le Réseau pour le commerce juste, un feuillet présentant les 10 principales raisons pour lesquelles l’AÉCG est dommageable pour le Québec et le Canada est disponible en ligne : http://www.alternatives.ca/fra/journal-alternatives/publications/dossiers/alternatives/article/les-10-principales-raisons-pour?lang=fr&var_mode=calcul

[7] Propos rapportés dans l’article « Libre-échange Canada-Europe : Un traité qui ira plus loin que l’ALÉNA », La Presse, 25 septembre 2010, cahier des affaires, p. 1.

[8] En ligne avec son idéologie conservatrice, l’un des objectifs manifestes du gouvernement lors de ce sommet a également été de consolider l’appareil répressif de l’État canadien. Le Premier ministre s’est en effet servi de la tenue du G20 pour légitimer des investissements massifs dans les corps policiers et les agences de renseignement ainsi que pour arrêter 1090 manifestants, journalistes et citoyens (un record dans l’histoire du Canada) sans motif, la très grande majorité ayant été relâchée sans accusation. La répression de certains organisateurs communautaires se poursuit encore à l’heure actuelle. Pour plus d’informations sur les événements récents, consultez : http://g20.torontomobilize.org/node/522

[9] Québec@Europe : Bulletin d’information stratégique sur les relations Québec-Union européenne. http://www.monnet.umontreal.ca/bulletin/bulletin_39.htm#enjeux site consulté le 28 septembre 2010.

[10] Pour plus d’informations, consultez le site d’ATTAC : http://www.quebec.attac.org

Subterranean Tourist Board,
apocalypse had visited , 2008
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Peintre reconnu, Borduas était également professeur, métier qu’il exerça dès sa jeune vingtaine dans les écoles primaires de Montréal, à Paris et chez lui à St-Hilaire. Il désapprouvait ouvertement l’enseignement de la peinture axé sur la seule maîtrise technique; l’important était de « permettre aux expressions plastiques imprévisibles de naître » et au dessinateur « de créer son propre style » comme il l’écrivit dans ses Projections libérantes (1949). C’est ce programme qu’il essaya de mettre de l’avant à l’École du meuble, malgré certaines incompréhensions de la part de ses élèves et collègues, habitués à une approche plus « classique ».

L’enseignement, contrôlé par les religieux, s’avérait pour Borduas un asservissement : « un petit peuple […] tenu à l’écart de l’évolution universelle de la pensée pleine de risques et de dangers […] » (Refus global). Il ira jusqu’à affirmer que « notre enseignement est sans amour : il est intéressé à fabriquer des esclaves pour les détenteurs des pouvoirs économiques » (Projections libérantes). Ces irrévérences pédagogiques ne plairont ni à la direction de l’École du meuble, ni au gouvernement Duplessis qui faisait à l’époque la chasse aux idées subversives de tout acabit. Optant pour la ligne dure, le ministre Paul Sauvé n’a pas répondu à la tentative de Borduas d’expliquer son enseignement et sa pensée suite à son renvoi…

L’enseignement de Borduas était lié de près à un nouveau rapport à l’art. Son groupe, les automatistes, s’inspire fortement du surréalisme sans en être à la traîne. L’automatisme surrationnel, comme le nomment ses créateurs, espère accéder à une connaissance de l’homme et de l’univers à travers un processus créatif qui abolirait l’intention. Le créateur suit ses formes, dans une « conscience plastique au cours de l’écriture » (Commentaires sur des mots courants), jusqu’à l’émergence d’une certaine unité de l’œuvre. Claude Gauvreau, poète et dramaturge signataire du Refus, dira en entrevue radiophonique en 1970 : « Parce que nous rejetions l’intention, tout a priori rationnel […] nous sommes allés quelques degrés plus avant dans l’exploration du monde intérieur de l’Homme ». Borduas et son égrégore rêvaient d’un art où l’être se révèle à la fois dans l’acte de création et dans l’acte d’appréciation des oeuvres (Manières de goûter une œuvre d’art). Les automatistes travaillaient ainsi à un changement de paradigme dans l’art québécois, voire dans l’art moderne.

Sous-tendant ce projet créateur et la construction d’une nouvelle pédagogie, un « sauvage besoin de libération » gronde chez Borduas (Refus global). Sans être communiste – il reproche aux « rouges » de ne pas faire assez de place au côté irrationnel dans leur conception de l’Homme – il n’en demeure pas moins qu’il croit en la nécessité d’une transformation radicale de la société. Dans son texte le plus politique, La transformation continuelle, il écrit :

« À l’occident de l’histoire, se dresse l’anarchie, comme la seule forme sociale ouverte à la multitude des possibilités des réalisations individuelles. Nous croyons la conscience sociale susceptible d’un développement suffisant pour qu’un jour l’homme puisse se gouverner sans police, sans gouvernement ».

Dans la tentative de faire émerger « la complète réalisation des possibilités humaines », les réalités institutionnelles (l’État et le clergé), intellectuelles (la censure), académiques (l’obsession technique) et sociales (le travail aliénant) sont des entraves à éliminer. Il faut voir Borduas comme un radical, comme quelqu’un qui pense les problèmes du monde (artistiques comme politiques) à leur racine et qui envisage une solution intégrée qui prenne la forme d’une révolution sociale. Il met ainsi le bout du pied dans la pensée anarchiste, sans toutefois se réclamer d’un auteur ou d’un courant. Son approche politique est intuitive, assez loin d’une pensée versée dans les grands textes révolutionnaires de son époque, mais vient néanmoins lier toute sa pensée : il faut libérer l’individu dans la création, dans le collectif et dans la transformation des formes plastiques et sociales.

Après un demi-siècle, les réflexions de Borduas restent toujours aussi pertinentes, même si l’environnement sociopolitique québécois a énormément changé. Même si la sacro-sainte Révolution tranquille a eu lieu, les problèmes qu’il a soulevés restent entiers. Les techniques pédagogiques ont certes été modifiées en éducation, mais celles-ci cherchent toujours à s’arrimer au marché du travail. L’art a beau s’être décloisonné, il est parfois difficile de le différencier de la publicité, du divertissement ou du spectacle. Le climat politique québécois, entre corruption, cynisme et manque de vision, est d’un pathétique qui n’a d’égal que la passion des politiciens pour l’économie néo-libérale. Borduas écrivait dans le Refus global que « les frontières de nos rêves ne sont plus les mêmes ». Il faudrait se demander si les frontières d’aujourd’hui ne sont pas malheureusement celles du Spectacle, tel que l’évoque Guy Debord.

Il y a peu, la France a été témoin d’une tentative de récupération et de révision de l’œuvre et de la vie d’Albert Camus. Au cinquantenaire de la mort de l’écrivain, le gouvernement français a décidé de le hisser au rang de héros national. Camus s’est battu toute sa vie contre ces réifications étatiques en s’attaquant au nationalisme, au colonialisme ou au racisme sur tous les fronts. Le processus qui se déroule au Québec dans le cas de Borduas est similaire : on retient officiellement son rôle de pionnier de la laïcisation de l’État et de la pensée intellectuelle québécoise, en oubliant trop souvent le caractère subversif de son œuvre écrite et artistique. Ses questionnements, comme ceux de Camus, sont peut-être trop angoissants et radicaux pour ne pas être récupérés par l’histoire nationale officielle.

m-c, Whose Web is it anyway?, 2006
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“It’s the traditional media who did the job,” said Marc-François Bernier, chair of journalism ethics at University of Ottawa to Le Devoir in an interview published few days after the election[a]. “Not new media, nor bloggers, nor those who call themselves citizen or participative journalists. The investigations were done using the good old methods. It’s refreshing.”

According to Bernier, what new media had to offer most of the time was ‘noise’. “Bloggers work as open line presenters,” he said. “They read the papers and then comment on it.”

Bernier’s words, more or less, echoed what David Simon, former Baltimore Sun reporter and creator of The Wire, had to say to the Senate Commerce Committee on May 6[b]. “The Internet is a marvelous tool and clearly it is the informational delivery system of our future,” he said during the hearing on the future of journalism, “but thus far, it does not deliver much first-generation reporting. Instead, it leeches that reporting from mainstream news publications, whereupon aggregated websites and bloggers contribute little more than repetition, commentary and froth.”

If we put aside their contemptuous tone, these comments are hard to refute. According to a study published in 2007 in Journalism, 99 per cent of the posts appearing on six of the most popular political blogs in the U.S. were either comments or analyses on material found elsewhere[c]. Indeed, only a handful of posts were first-hand information.

More recently, the Pew Research Center’s Project for Excellence in Journalism issued a study on the news ecosystem of Baltimore[d]. The study revealed that only 5 per cent of the new information reported during the time period in which the study took place came from new media.

Bernier was right to say that bloggers were no different from open line presenters. But who ever said otherwise?

“Bloggers comment on the stories of others” said Le Devoir reporter Stéphane Baillargeon, “exactly like columnists from the newspapers do, or radio news analysts, who base their work on the traditional media. Bloggers are no worse than any commentator.”[e]

Whether these comments are just ‘noise’, as Bernier puts it, is up to the audience to decide. Of course, one could accuse the new media of conveying comments rather than news. However, the same accusation would also target more traditional forms of commentary in the media, like columns, news analysis, editorials, etc. In fact, this debate has little to do with new media per se.

A healthy parasite?

According to David Simon, there’s more to it. “Readers acquire news from the aggregators and abandon its point of origin –namely the newspapers themselves. In short, the parasite is killing the host.”

Now that is a much more serious accusation. According to Simon, bloggers are not just like any traditional commentators. They take readers away from the sources, leaving the newspapers to asphyxiate, and slowly take their place.

But are they really? “Of course, blogs are parasitic,” said Lisa Lynch, assistant professor at Concordia University. “But the relationship between the parasite and the host is a symbiotic one. The parasites are not killing the host. Something else is killing it.”[f]

A ‘symbiotic’ relationship? She might well be right. The 2007 Journalism[I1] study cited above showed that almost half (47.6 per cent) of the sites to which the blogs referred were professional news media. In terms of content, 28.8 per cent of the links lead to straight news stories, while another 15.4 per cent lead to opinion pieces, again, from the professional media.

“These bloggers, for the most part,” concluded the authors of the study, “simply engage the facts and information carried in news accounts, accepting them at face value and using them to form their own arguments, reinforce views, and challenge opponents.”

According to the study, far from ‘leeching’ the stories to which they refer, bloggers bring these to the attention of others while engaging a conversation about it, “a conversation distributed more broadly across citizens and journalists”.

“In fact,” wrote the authors, “much of what these blogs do is push readers toward other information that they would not have otherwise read. We would therefore argue that, far from supplanting the professional news media, they provide an important secondary market for its material.”

Blogs would thus be the equivalent of late family arguments beside the fire about what the newspapers said that day. Only now, these private comments about the daily news can potentially reach, through the Internet, a much larger audience than the one the ordinary citizen used to have.

Not only is the ‘parasite’ not ‘killing its host’, but the bloggers’ very reliance on professional media have ironically had the effect of “preserving and reinforcing professional norms of journalism as they disseminate content generated by traditional reporting practices”.

The deception of new media

Still, according to Simon, by commenting on the Internet stories they used to discuss in their living-rooms, citizens are usurping a position traditionally reserved to journalists, thus ‘stealing’ their audience, and as a result, their jobs. “To read the claims that some new media voices are already making,” he said, “you would think they only need bulldoze the carcasses of moribund newspapers aside and begin typing.”

To avoid this usurpation, it is paramount to maintain a clear distinction between journalists and citizens in people’s minds. “A neighbor who is a good listener and cares about people is a good neighbor; he is not in any sense a citizen social worker,” said Simon. “Just as a neighbor with a garden hose and good intentions is not a citizen firefighter. To say so is a heedless insult to trained social workers and firefighters.” By the same logic, he argues that citizen news-commentators are not journalists. According to him, such a deception would have a disastrous impact on the overall quality of stories, since citizens aren’t bound to any professional standards, as working journalists do (accuracy, fairness, balance, objectivity, etc.).

“It is nice to get stuff for free, of course,” he said. “And it is nice that more people can have their say in new media. And while some of our internet commentary is –as with any unchallenged and unedited intellectual effort– rampantly ideological, ridiculously inaccurate and occasionally juvenile, some of it is also quite good, even original.”

Journalists have often expressed in many ways their disdain for new media –blogs, citizen journalism, public journalism, and so on. Some diatribes were more imperious than others, such as an editorial from The Digital Journalist, entitled “Let’s abolish ‘Citizen journalists’”[g].

“Citizen journalist is a misnomer. There is no such thing. There are citizens and there are journalists. […] We advocate abolishing the term ‘citizen journalist’. These people can call themselves ‘citizen news gatherers’, but it is no more appropriate to call them citizen journalists than it would be to sit before a citizen judge or be operated on by a citizen brain surgeon.”

It is obvious that many professional journalists feel that their jobs are threatened. One of the common reactions to this threat has been to highlight, again and again, the clear line between pros and amateurs. Pros have privileges that amateurs don’t.

“But the reality is that in order to be given access to events,” said Dirck Halstead, editor of The Digital Journalist, “whether it is a fire or a political campaign, there must be an accrediting body. You can’t cross police and fire lines by simply saying you want to do that. Try it with your local police department. You can’t waltz into the White House or a summit meeting or embed with a unit in Afghanistan simply because you want to.”[h]

Of course, if it was just a matter of who is accredited and who is not, journalists would not need to worry so much about the rise of new media[I2] .

The thing is, journalists already have good reasons to be anxious about the future of their profession, and are thus eager to see in new media, accredited or not, an aggressive rival threatening to take their place. This anxiety transpires in the numerous diatribes about new media ‘stealing’ the audience, while replacing the ‘good old’ standards of professional journalism with a flow of emotionally-motivated, inaccurate, and deeply biased commentary. Like an ethnic minority at a time of economical crisis, the new media have become, for a number of them, an easy scapegoat for the declining of the profession –understandably or not. I would seem that new media are to blame, and for two different reasons, usually confused and interchangeable in the arguments of journalists: economically, they accelerate the financial decline of traditional media by ‘stealing the audience’, and morally, they are guilty of degrading the standards –and hard-won privileges– of journalism essential to democracy.

Is the new media just an audience with a mouth?

Gary Hayes, Social Media Campaign Tools Flow, 2009
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The irony of all this is that this dreadful “online army of bloggers [that] will supplant the work and value of traditional journalists”, as the authors of the study above put it[I3] c, are none other than the once invisible audience. Only now that readers can write back, some journalists may find it disturbing to note how far their actual audience, with all its ‘ideological’, ‘inaccurate’ and ‘juvenile’ comments, is from the one that they once imagined.

This point was raised by Jim Jarvis, professor at the City University of New York, as he reacted on his blog to anti-blog comments from a tech reporter for the New York Times. “Hey, fool,” wrote Jarvis, “that’s your audience talking there. You should want to listen to what they have to say. You are, after all, spending your living writing for them. If you were a reporter worth a damn, you’d care to know what the marketplace cares about you. But, no, you’re the NYT mighty guy. You don’t need no stinking audience. You don’t need ears. You only need a mouth.”[i]

“Comments reflect where people are with issues,” said Lynch. “The way the papers are constituted –neutral, balanced, objective– does not reflect the way communities are constituted. For journalists who have been committed to thinking and writing in an objective, neutral and balanced way for years, it can be disconcerting to suddenly hear how people really think out there.”

That is not the case for Michael Boone, sports columnists at The Gazette who also writes a sports blog. “I’m really hard to shock,” he said, “but people get extremely emotional with sports. The thing is that, whereas people can’t start yelling and swearing around in a sports bar, they can write everything they want on the Internet.”

This encounter, between readers who feel they can write things they won’t even say, and journalists who are used to a balanced and neutral writing, can certainly be disturbing at first.

One thing is sure though: it is hard to think of any professionals who would tolerate their clients interfering in and questioning their working methods on the grounds that, in the end, they work for them. This is where Jarvis is difficult to follow: it is not because journalists write for their readers that they necessarily want or have to listen to what they have to say.

This comes from a confusion about the role of journalism. Journalists are not talk show hosts, and their role is not to engage the public in discussing the news. Journalists would like to think of themselves as speaking the facts. What the audience decides to make of these facts is of no concern to them.

What happens when people start talking

One of the fears that the Journalism study[I4] quoted abovec emphasized was that blog communities might actually work as ideological echo-chambers. “People like to see their prejudices comforted,” said Boone. “It could become an issue in the long term.” Citizens would turn to the blogs and forums that suit best their political affinities, while avoiding the others. Blogs would thus increase the political polarization of the public, more and more fragmented into communities that never meet.

“And it’s a danger that journalism has always been a buffer against,” wrote Jane B. Singer as early as 1998, in an essay on online journalists[j]. According to Singer, the Web enabled individuals to choose the communities of interest they want to be a part of, while ignoring the others.

Traditional media, on the other hand, make sure that a common knowledge is shared by all and that individuals maintain “ties to a geographical place, to a home […] that includes not only people who are just like us but people who are not just like us”.

Singer made a case for the role of journalism as a community builder, even writing that “community building is inherent in the nature of journalism itself”.

More than ten years after, Lynch is sceptical about this. “The ‘neutral’ media that remain today are not the ones that create a public agora where people come together,” she said.

The foxification of the media made it less and less obvious that journalism is a ‘community builder’ and not just another participant in political fragmentation.

“The atomisation of individuals began way before the Internet,” said Baillargeon. “Societies are less organized around strong principles. The media reflect this fragmentation.”

Are new media increasing this fragmentation? “New media just enabled the diffusion of opinions people used to keep under their coat. A wacko blog might attract a few wackos, granted. So what? We, who come from the twentieth century and remember Stalin and Hitler, have no lessons whatsoever to teach anyone about the diffusion of extremist ideas. If some people have an interest in diffusing extremist ideas, they’ll just find the ways to do it –with or without the Internet.”

But something else is at stake, which is the source of an important misunderstanding between new and traditional media. According to Singer, traditional media is the cure to the ongoing political fragmentation: more objectivity, more neutrality, more balance is needed.

But for Jay Rosen, who first conceived the public journalism model, people are turning to new media precisely because the traditional values of journalism do not meet their needs anymore. People need to talk between themselves face-to-face about the issues that concern them. What journalists have to offer are commentaries about the effectiveness of such and such political moves, analyses on the strategies and techniques of political players.

This kind of coverage, where strategies are dissected at the expense of the issues per se, leads people to think “it is sufficient to understand the inside game of politics without ever having to actually participate in a discussion about their lives as citizens”, as James Compton put it in his 2000 essay on public journalism, published in Journalism Studies[k].

Indeed, people can have night-long political discussions without ever having to reveal their personal views.

According to Lynch, this ‘he said, she said’ journalism is politically emasculating and is losing its audience. “The irony is that you became a journalist because you liked politics, and you end up being the guy who can never talk about politics, because it would put you into trouble. You’re screwed.”

Are political journalists, like sports analysts who cannot take sides, technical experts who keep the public informed on the moves that were made on the chessboard of politics?

Rosen thinks so. It would explain why bloggers are successful: it offers a platform where questions like ‘What should we do?’ can be discussed thoroughly by a public that is tired of the power games. “Rosen,” said Compton, “wants the public to join in a conversation about itself. He wants journalism to help make public opinion trustworthy and, so doing, establish quality public opinion, as opposed to objectivity, as the legitimating principle of journalism.”

Far from having to go back to an even more objective journalism, Rosen believes the media “need to call on the public to exercise its right to discuss political life as individual citizens”.

In this view, traditional media, which never intended to part from disinterested analytical distance, ended up pushing more and more people toward blogging and other new means of expressions.

“The traditional senders of media messages –the journalists– are faced not just with a new delivery method,” said Singer more than ten years ago in the opening of her essay, “but with what may be a fundamental shift in their role in the communication process.” It was already clear then that “journalists [were] swept up in challenges to their one-time franchise of creating and delivering mass-mediated messages”.

What has happened since? According to the Columbia Journalism Review, there have been close to 20,000 lost jobs among U.S. newspaper editorial employees since 1992.

“It’s been a decade since we started trying to reinvigorate traditional journalism without having to break the hierarchy.” said Lynch. “But there is just no revenue model for the traditional hierarchy anymore.”

We will leave to others the task of telling what it is that is killing the host. Advertisers don’t need traditional media as they used to do, since they can now connect directly with consumers through search engines. Dematerialization of contents going online allows instantaneous diffusion with which traditional media can hardly compete. The severe cuts that newsrooms went through to satisfy bottom line pressures from executives and shareholders resulted in a dramatic decrease in news quality, and thus sales.

These are just some of the numerous reasons why traditional media will either find new revenue models, or disappear. Anyone interested in knowing what is ‘killing the host’ should look into these factors first. In fact, David Simon reserved the main part of his speech to tear apart the revenue model that, according to him, ‘butchered’ the whole print industry in less than two decades.

It seems that behind this misunderstanding about the role of journalism hides a much more critical issue. On the one hand, you find people clinging to what is left of journalistic values (objectivity, neutrality, fairness) as the only existing access to the ‘the facts’, which are presumed equivalent to ‘truth’. Around the fortress of objective reporting, lies the infinite, wild and threatening sea of ideologies.

On the other hand, you find people tired of the endless power games, determined to push their ideas forward, rally people around them and jump into the political arena. ‘Facts’ have no value in themselves –they need to be used, appropriated by discourses, discussed, opposed, doubted or acclaimed in the vast agora of politics. For more and more people, it seems that, behind so-called ‘objective’ reporting, lies an unsustainable status quo that needs to be broken, and an ideological posture that needs to be unmasked.

The debate, as we see, might well surpass the new media issue.

And we’re starting to realize that bloggers aren’t the culprits.

Notes

[a] Baillargeon, Stéphane, “Les électeurs restent indifférents à l’appel des médias.” Le Devoir. 3 November 2009.

[b] Simon, David. “Wire creator David Simon testifies on the future of journalism.” Reclaim the media. May 2009. http://www.reclaimthemedia.org/journalistic_practice/wire_creator_david_simon_testi0719

[c] Reese, Stephen et al., “Mapping the blogosphere”, Journalism 8.3 (2007): 235-261

[d] “How News Happens : A Study of the News Ecosystem of one American City”. Journalism.org. January 2010. http://www.journalism.org/analysis_report/how_news_happens

[e] Personal interview.

[f] Personal interview.

[g] “Let’s abolish ‘Citizen journalists’”. The Digital Journalist. December 2009. http://www.digitaljournalist.org/issue0912/lets-abolish-citizen-journalists.html

[h] Rosen, Jay. Quote and Comment. December 2009. http://jayrosen.tumblr.com/post/274294279/my-strange-q-a-with-the-editor-who-said-we-must

[i] In Lemann, Nicholas, “Amateur Hour : Journalism without journalists”. The New Yorker. August 2006. http://www.newyorker.com/fact/content/articles/060807fa_fact1

[j] Singer, Jane B. “Online journalists: Foundations for Research into Their Changing Roles”. Journal of Computer-Mediated Communication 4.1 (1998)

[k] Compton, James. “Communicative Politics and Public Journalism”. Journalism Studies 1.3 (2000): 449-467

La grande force de l’ouvrage de Bell réside dans sa profonde compréhension de la dualité créée par la guerre moderne qui fait que pour l’avènement du pacifisme et le rejet même du principe guerrier de la civilisation, il y a tout un pan intellectuel qui va défendre la guerre comme étant salvatrice pour la nation, permettant même la régénération des corps et des esprits. Qu’en pensez-vous ?

Tiré de David A. Bell, The First Total War: Napoleon’s Europe and the Birth of Warfare as we know it, Boston, Houghton Mifflin, 2007, p. 317

Travlr, Dire Dawa old town , 2009
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Point de passage stratégique et haut lieu du commerce transfrontalier, les conditions socio-économiques des populations établies dans la région de Dire Dawa se sont dégradées depuis 2004. Celles-ci sont directement affectées par l’augmentation de l’insécurité en Somalie et la répression du commerce de contrebande avec Djibouti et la Somalie. Seconde ville du pays, Dire Dawa exerce un pouvoir attractif qui dépasse largement ses frontières régionales : comme ailleurs sur le continent, l’espace urbain suscite les espérances d’une vie meilleure. La capitale régionale constitue une destination de prédilection des migrants fuyants les violences en Somalie et des populations affectées par la répression du commerce de contrebande.

Une zone traditionnelle de passage

Située dans la région de la Grande Vallée du Rift, la ville de Dire Dawa est la capitale de la région autonome[v] du même nom. La population régionale regroupe divers ethnies dont les plus importantes sont les Somali, les Oromo et les Harari ainsi que les Amhara. Carrefour des zones frontalières de l’Ethiopie avec Djibouti et la Somalie, elle est une zone traditionnelle de passage pour les populations vivant du commerce transfrontalier. Ces populations sont concentrées le long du rail et des corridors routiers reliant la capitale régionale à Djibouti et aux grandes villes d’Éthiopie et du Somaliland. La région est également caractérisée par d’importants mouvements de populations traditionnellement nomades, telles que les Somali et les Afar. L’activité commerciale intense a contribué à développer la prostitution qui constitue un facteur d’accroissement de la propagation du VIH/SIDA au niveau régional. Le manque d’information, la pratique de comportements sexuels jugés à risque, la stigmatisation et le déni de la maladie parmi les populations somaliennes et Afar constituent des facteurs aggravant la propagation du virus et a un impact direct sur les conditions de vie des populations pauvres.

La propagation du VIH/SIDA constitue un facteur de précarisation

Travlr, « Talk to the hand! », 2009
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À Dire Dawa, la propagation du VIH/SIDA est un facteur de précarisation et de marginalisation des populations démunies à travers, notamment, l’accroissement du nombre d’enfants orphelins. La capitale régionale concentre environ 13 000 enfants orphelins dont près de 5 000 de parents décédés de la maladie et communément dénommés « orphelins du SIDA ». En 2007, le taux de prévalence du VIH/SIDA culmine à 6,2%[vi] au niveau régional (7,6% en zones urbaines et 0,9% en zones rurales). Pour l’année 2005, les services de santé régionaux enregistraient 952 femmes enceintes séropositives et 229 cas de nouveau-nés ayant contracté le virus. Parmi les 14.554 cas déclarés, les services de santé enregistraient 1.414 nouveaux cas et 1.537 décès directement imputés au VIH/SIDA dans l’année.

Le nombre d’enfants orphelins s’accroît chaque année. Ils constituent une population particulièrement exposée à la pauvreté et souvent marginalisée. Lorsqu’ils sont scolarisés, ces enfants sont victimes de discrimination exercée par les autres enfants. Dans la rue, les orphelins sont victimes de violences physiques, psychologiques et sexuelles exercées par leur entourage et les autres enfants. D’après les services de santé, la violence sexuelle est un phénomène en pleine expansion.

Organisations communautaires et lutte contre la précarisation

Les kébélés[vii] de Dire Dawa abritent des organisations communautaires de type traditionnel qui constituent des réseaux d’entraide entre leurs membres[viii]. Ces organisations sont indépendantes les unes des autres et disposent de leurs propres comités exécutifs[ix]. Tous les mois, chaque membre verse une contribution dans la caisse de l’organisation. Lorsqu’il survient un décès, la personne concernée peut disposer de la totalité de la caisse pour subvenir aux frais d’enterrement. Dans le cas où un enfant devient orphelin, cette somme peut être utilisée afin de subvenir à ses frais de scolarité, de permettre l’accès à des soins ou un logement. Ces organisations constituent un moyen de prise en charge, à hauteur de leurs capacités financières, des orphelins issus de leur communauté.

L’augmentation des décès imputés au VIH/SIDA cumulée à la dégradation des conditions de vie accroit fortement les sollicitations des membres, tant en termes de fréquence qu’en termes de montants. Les sommes disponibles dans les caisses des organisations sont désormais insuffisantes pour faire face aux besoins exprimés. En cas de décès des parents, il devient de plus en plus fréquent que l’enfant échoue dans la rue faute de moyens suffisants pour assurer sa prise en charge.

Chuck Holton, IMG_6662, 2008
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Revenus précaires et commerce transfrontalier

Le commerce transfrontalier, officiel ou de contrebande, constitue souvent l’unique source de revenu pour les ménages pauvres et plus particulièrement pour les femmes. Dire Dawa, Shinnile et Melka Jebdu sont les principaux sites de marchés et compte un grand nombre de femmes commerçantes. L’activité transfrontalière consiste à importer en Ethiopie des produits de consommation courante en provenance de Djibouti et du Somaliland et à exporter des animaux d’élevage (essentiellement des bovins) vendus à Djibouti pour des besoins de consommation domestique. Les produits alimentaires de base sont constitués de riz, de sucre, de farine de blé, de poudre de lait, d’huile et de pâtes alimentaires. Ces produits sont principalement destinés aux marchés de l’Est de l’Éthiopie.

Le commerce de contrebande est une activité pourvoyeuse de revenus pour les pauvres. Il inclut tous les produits faisant l’objet du commerce officiel avec cependant, une prédominance pour les vêtements d’occasion. La quantité importante de vêtements d’occasion importés via les canaux informels en fait l’un des plus importants commerces transfrontaliers de l’est de l’Éthiopie. Ces produits sont ensuite acheminés sur l’ensemble des marchés nationaux. Dans la plupart des cas, l’origine des vêtements d’occasion est l’Europe et l’Amérique du Nord. Les importations non officielles comprennent aussi des chaussures, des tissus, de l’électronique, des ustensiles ménagers, des produits pharmaceutiques, des cosmétiques et des détergents. Ces biens de consommation de base ont pour provenance le Moyen-Orient et les pays asiatiques. Débarquées à partir des ports somaliens et de Djibouti, ils sont acheminés par camions jusqu’à Dire Dawa.

Contrôle du commerce et dégradation des conditions de sécurité

Depuis 2004, le gouvernement éthiopien a renforcé la répression du commerce de contrebande, réduisant fortement les revenus des populations dépendantes de ce commerce. Suite à la perte de leurs ressources économiques, les populations établies dans les villes secondaires des régions frontalières ont migré en masse vers la région de Dire Dawa, et plus particulièrement vers la capitale régionale. Le centre urbain exerce un pouvoir d’attraction des populations en suscitant l’espoir de trouver du travail, aggravant ainsi les effets de l’exode rural des campagnes environnantes. Les immigrants les moins fortunés s’installent dans les faubourgs de la ville, au sein desquels les habitations sont sommaires et caractérisées par l’insalubrité, l’absence d’accès à l’eau et à l’électricité.

Outre le phénomène migratoire, la répression du commerce de contrebande a un effet négatif sur la sécurité alimentaire des populations pauvres. Le marché noir permet à la population d’accéder à des produits qui ne sont généralement pas disponibles à travers le commerce officiel ou qui, lorsqu’ils le sont, coûtent cher. Par exemple, les denrées[x] importées de façon informelle à partir de Djibouti et du Somaliland sont vendues dans tout l’Est de l’Éthiopie du fait de leurs prix très compétitifs. Les articles similaires produits en Ethiopie sont peu disponibles et sont vendus à des prix supérieurs à leurs substituts importés. Le commerce de contrebande permet ainsi aux familles les plus pauvres d’assurer leur consommation de subsistance par l’accès aux produits de base. Il génère également des possibilités d’emploi dans cette région caractérisée par un chômage élevé et chronique. C’est d’ailleurs l’absence d’emplois alternatifs qui contraint de nombreuses personnes à s’engager dans le commerce de contrebande dans le but de percevoir un revenu de subsistance.

A. Davey, Dire Dawa, Ethiopia , 2007
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La montée de l’insécurité dans les zones frontalières constitue aussi un obstacle à la pratique du commerce transfrontalier, que celui-ci soit formel ou informel. Les actes de banditisme ont pour conséquence de limiter les déplacements des commerçants qui, dans certaines zones, deviennent très dangereux. L’insécurité grandissante de régions frontalières enclines à des conflits sporadiques entre factions rebelles et armées nationales contribue à réduire les revenus des populations ; les plus pauvres étant les plus fragilisées.

Chemin de fer et amélioration des conditions de vie

L’histoire de la ligne ferroviaire débute à Djibouti le 12 octobre 1897, avec le lancement de la construction de la voie ferrée qui aboutira en 1908 à la création de Dire-Dawa. La ligne sera prolongée jusqu’à la capitale Addis-Abeba qu’elle atteindra en 1917. La compagnie du chemin de fer franco-éthiopien deviendra, en 1981, le chemin de fer Djiboutien-éthiopien. C’est un établissement binational[xi] à caractère industriel et commercial. Ayant ravi, à la fin du 19ème siècle, la prédominance commerciale d’Harar, la construction de la voie ferrée a fait de Dire Dawa un pôle commercial régional. Le rail était alors le seul moyen de transport utilisé pour le commerce extérieur de l’Ethiopie, pays enclavé et sans débouché maritime.

La route Addis-Assab (via Dikhil et Galafi) domine désormais largement le transport ferroviaire en termes de transport de marchandises et de personnes. Entre l’Ethiopie et Djibouti, le trafic de fret ferroviaire a fortement chuté, passant de 450.000 tonnes annuelles en 1975 à 215.000 tonnes pour l’année 2009 ; conséquence de la vétusté des infrastructures ferroviaires. L’urgence des travaux a été impulsée par une série de déraillements entre Dire Dawa et Djibouti, tronçon où les trains sont toujours en activité. Les convois transportent des fruits et légumes, du café et des produits d’élevage destinés à l’exportation. Ils reviennent chargés de matériaux de construction. Face à l’accroissement de la concurrence du transport routier et en raison de la vétusté des équipements, le trafic ferroviaire est en chute libre : il est désormais déficitaire et n’assure plus que 3% du trafic commercial international avec l’Ethiopie.

Bien que le coût[xii] d’exploitation par tonne au kilomètre et la distance totale[xiii] à parcourir soient plus faibles avec le train qu’avec le transport routier, le chemin de fer ne représente que 5% du trafic total de personnes et de marchandises. Cependant, le rail suscite toujours de grandes espérances économiques en reliant la capitale éthiopienne au port de Djibouti ; port stratégique permettant l’accès aux liaisons maritimes internationales de la Mer Rouge. Si la ligne est réhabilitée, le trafic pourrait atteindre jusqu’à 1.500.000 tonnes par an.

La compagnie de chemin de fer Djiboutien-éthiopien est aujourd’hui en voie de restructuration et de modernisation. Les deux Etats propriétaires ont opté pour un vaste projet de restructuration, accordant ainsi la priorité à la restauration du chemin de fer. L’Union européenne a octroyé une enveloppe de plus de 50 millions d’euros destinée à la réhabilitation de la voie ferrée entre Djibouti et Addis-Abeba ainsi qu’à la maintenance et au remplacement de locomotives. Afin de redynamiser le rail, un projet d’envergure figure également au programme : il s’agit de la mise en place d’une connexion ferroviaire liant le nouveau complexe portuaire de Doraleh (Djibouti) au chemin de fer, offrant par ce biais des opportunités économiques prometteuses au niveau régional.

Travlr, Chemin de fer , 2009
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Conclusion

L’exemple de Dire Dawa illustre la complexité du phénomène de pauvreté. Il démontre que la compréhension empirique de la pauvreté nécessite de s’interroger sur l’impact qu’exerce le contexte régional sur les conditions de vie des populations. Les conditions de vie observées dans la région enclavée de Dire Dawa sont dépendantes des échanges transfrontaliers et de la stabilité de la Somalie. La répression du commerce de contrebande et l’insécurité grandissante en Somalie ont un impact direct sur le niveau de vie des populations fragilisées par le déclin de l’activité économique résultant en partie, de la vétusté de la ligne ferroviaire. Dans ce contexte particulier, la propagation du VIH/SIDA constitue non seulement un facteur de précarisation mais également de marginalisation pour les populations démunies.

Bibliographie :

Aids in Ethiopia, Sixth Report – Federal Ministry of Health, National HIV/AIDS Prevention and Control Office, September 2006.

Cross-Border Livestock Trade and Food Security in the Horn of Africa: An Overview. Peter D. Little, Tegegne Teka, Alemayehu Azeze. USAID/REDSO and the Office of Sustainable Development, Africa Bureau, USAID, 2001

Les ports de la façade est-africaine : dynamiques d’intégrations et d’exclusions. François Guiziou. Institut Supérieur d’Economie Maritime, Note de Synthèse n°123, 2010.

Rapport mondial sur le développement humain 2009, Lever les barrières : Mobilité et développement humains. Programme des Nations Unies pour le Développement (PNUD), 2009.

Notes

[i] Rapport mondial sur le développement humain 2009, Lever les barrières : Mobilité et développement humains. Programme des Nations Unies pour le Développement (PNUD), 2009.

[ii] Ibid.

[iii] Le recensement de la Central Statistical Agency of Ethiopia fait état de 231 247 habitants en 2007.

[iv] D’après le recensement de 2007 mené par la Central Statistical Agency of Ethiopia, la région de Dire Dawa concentrait une population totale de 342 827 habitants dont 67,9% étaient établis en zones urbaines et 32,5% en zones rurales.

[v] La Constitution de 1994 a mis en place un système fédéral reposant sur neuf « régions ethniques » (ethnico-linguistiques : Tigré, Afar, Amhara, Oromia, Somali, Gambela, Harar, Région des nations, nationalités et peuples du Sud, Benishangul-Gumaz et deux régions autonomes (Addis-Abeba et Dire Dawa).

[vi] Source: Aids in Ethiopia, Sixth Report – Federal Ministry of Health, National HIV/AIDS Prevention and Control Office, September 2006.

[vii] Un kébélé est la plus petite sous-division administrative en l’Éthiopie, équivalente à un quartier ou à une zone rurale très restreinte.

[viii] En moyenne, ces organisations regroupent chacune 400 membres.

[ix] Le comité exécutif est élu par une assemblée générale composée de l’ensemble des membres. L’assemblée se réunit au minimum 2 fois par an et a pour fonction de voter les décisions à prendre.

[x] Le riz, la farine de blé, pâtes, l’huile végétale et le sucre sont les principales denrées importées à partir de Djibouti et du Somaliland

[xi] La compagnie du chemin de fer Djiboutien-éthiopien est une compagnie dont le capital est détenu à hauteur de 50% par chacun des deux Etats. Concernant le fonctionnement de la société, l’ensemble des bénéfices réalisés sont versés dans une caisse commune puis redistribué entre les Etats respectifs conformément à la répartition du capital, soit à hauteur de 50% pour chaque pays. Les coûts supportés par les branches de chaque pays sont inégaux tandis qu’ils sont gérés indépendamment par chaque branche. Ainsi, de Dewele à Addis Abeba (partie éthiopienne), la compagnie emploie 1100 personnes et est responsable de la maintenance de l’essentiel du réseau ferroviaire tandis que de Dewele à Djibouti, la compagnie emploie 200 personnes (pour un tronçon de 100 km). En proportion de l’activité et de la main d’œuvre employée, les bénéfices redistribués à la partie djiboutienne de la compagnie sont beaucoup plus importants. Toute l’activité de maintenance de la branche éthiopienne de la compagnie est localisée à Dire Dawa.

[xii] Le coût économique du transport par camion est de US $ 42,8/t tandis qu’il est compris entre US $ 15,3 et 35,6 $ US/t par le rail.

[xiii] La distance est de 780 km par le train et de 918 km par la route.

Hugo Lafrance,
Ventilation BedZED , 2009
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Les parties prenantes

BioRegional Development est un organisme environnemental indépendant qui travaille avec l’industrie, le commerce du détail et le secteur public pour mettre en place des projets de développement durable. BioRegional crée des solutions pour un habitat durable, confortable et abordable.

ZedFactory quant à lui est une initiative de Bill Dunster Architects pour créer des bâtiments à carbone neutre. L’équipe travaille avec des spécialistes et des entrepreneurs pour créer des bâtiments dont la performance environnementale est exemplaire.

Le projet a été développé par le Peabody Trust, la plus importante association en habitation à Londres. BedZED se révèle un véritable village écologique qui comprend 82 unités de logement et 2 500 m² d’espace commercial et de bureaux pour les résidents.

Un écoquartier de référence

En conception, BedZED a été étudié sous plusieurs angles. Une analyse de cycle de vie du bâtiment, tenant compte de l’impact environnemental, économique et social du projet, a été réalisée. Tout a été remis en question, en passant par le choix des matériaux, des écotechnologies et l’architecte des bâtiments. BedZed est devenu rapidement une référence dans le domaine des écoquartiers et de l’efficacité énergétique résidentielle, les mesures de contrôle et vérification venant confirmer en large partie la performance de l’ensemble.

BioRegional, Energy meters in kitchens , 2007
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Les occupants de BedZED utilisent en moyenne 2 579 kWh d’électricité par an, ce qui est inférieur à 45% de la moyenne de la ville de Sutton. Comparativement à des habitations classiques en Angleterre, BedZed a réduit ses besoins en chauffage de 90% et ses besoins en électricité de 33%. Malgré que la centrale de cogénération à la biomasse qui alimentait l’ensemble des bâtiments ne soit plus utilisée, les objectifs visés au départ continuent d’être largement atteints.

Un éventail d’initiatives

Les bâtiments de BedZED ont été conçus pour réduire la consommation d’énergie des occupants. Le recours aux énergies renouvelables permet de minimiser l’utilisation des ressources naturelles non pérennes. Par exemple, d’abondants panneaux photovoltaïques (777 m²) ont été installés sur les façades des habitations et d’un bâtiment de services pour transformer l’énergie du soleil en électricité (108 000 kWh).

Plusieurs efforts ont été faits pour maximiser les gains solaires passifs. Ainsi, l’orientation des fenêtres et des balcons aide les habitants à réduire l’utilisation d’éclairage électrique et à accumuler la chaleur du soleil par temps froids pour réduire les besoins en chauffage. Les blocs et les planchers de béton ont été choisis pour leur haute inertie thermique. Cette masse thermique permet d’emmagasiner la chaleur durant les périodes chaudes et de la rediffuser lors des périodes plus froides. Sur les élévations sud, des zones tampons ont été conçues pour éviter les surcharges de chaleur en été. Le système de ventilation passive, qui fait la renommée de BedZED, permet aussi de réduire l’apport en énergie pour le chauffage et la ventilation mécanique.

BioRegional, Wall section , 2009
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L’isolation du bâtiment est particulièrement élevée pour permettre d’économiser l’énergie. Les murs sont isolés avec de la laine de roche choisie pour ses propriétés thermiques, sa stabilité, sa durabilité et son coût. Pour leur part, les planchers et les plafonds sont isolés avec des panneaux de polystyrène. Deux types de fenêtres, dont la performance énergétique est élevée, ont été utilisés pour le projet. Des fenêtres à triple vitrage remplis de krypton ont a été installées sur les élévations nord, est et ouest pour limiter les déperditions de chaleur. Et des doubles vitrages remplis d’argon ont été installées pour la façade plein sud.

BedZED n’est pas un quartier autonome en énergie, mais presque… N’eut été des défaillances de la centrale de cogénération…

Quelques données

Tableau 1 : Données de mesurage par rapport à la moyenne nationale du Royaume-Uni.

Tableau 2 : Bénéfices après la première année pour un ensemble de six unités d’habitation

Énergie

ARUP, BedZED Building Physics , 2009
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BedZED a été conçu pour être carbone neutre ; pour générer autant sinon plus d’énergie renouvelable sur site qu’il en serait utilisée dans les habitations pour le chauffage, l’eau chaude et les électroménagers. La demande en énergie a été considérablement réduite et les besoins restants devaient être comblés par une unité de cogénération à la biomasse spécialement conçue pour être alimentée par des résidus de bois locaux. L’unité devait fournir 120 kW d’électricité et 250 kW de chaleur, faisant théoriquement de BedZED un projet à énergie positive, mais en pratique elle n’a jamais fonctionné régulièrement à plus de 70% de cette capacité, à cause de divers problème de conception et d’entretien. Alors que cette unité de cogénération aujourd’hui n’est plus en fonctionnement, l’eau chaude est produite grâce à une bouilloire efficace à condensation au gaz naturel tandis que l’électricité provient en partie du réseau et en partie (20%) des panneaux photovoltaïques installés sur le site.

Parmi les mesures mises en place pour réduire la demande en électricité, notons :

- Éclairage et électroménagers efficaces

- Compteurs lisibles ; pour rendre les occupants sensibles à leur consommation

- Conception architecturale favorisant l’éclairage naturel

- Ventilation passive réduisant le besoin de ventilation mécanique

- Aérateur de robinets, limitant les débits d’eau chaude

La consommation électrique a été réduite d’environ 38% alors que la moyenne nationale anglaise était de 5,5 kWh par personne par jour. Selon le BedZED Monitoring Report 2007, la consommation électrique moyenne du projet pour l’année 2007 a été de :

- 3,4 kWh/personne/jour

- 2 579 kWh/logement/an

- 34,4 kWh/m²/an

Parmi les mesures mises en place pour réduire la demande en chauffage et en eau chaude, notons :

- Conception architecturale favorisant les gains solaires passifs

- Super-isolation; enveloppe de 300 mm d’isolants pour les murs de terrasses

- Fenêtres efficaces ; double peau de double vitrage aux élévations sud et triple vitrage aux élévations nord

- Masse thermique élevée grâce aux blocs de bétons architecturaux, aux planchers de béton et aux autres surfaces radiantes favorisant l’absorption de chaleur

- Ventilation passive avec récupérateur de chaleur

- Aérateur de robinets, limitant les débits d’eau chaude

- Compteurs lisibles ; pour rendre les occupants sensibles à leur consommation

La consommation d’énergie pour le chauffage et l’eau chaude a été réduite de près de 77% alors que la moyenne nationale anglaise était de 22,5 kWh par personne par jour. Selon le BedZED Monitoring Report 2007, la consommation moyenne pour le chauffage et l’eau chaude pour l’année 2007 a été de :

- 5,2 kWh/personne/jour

- 3 525 kWh/logement/an

- 48,0 kWh/m²/an

Ces dernières données ne sont pas à négliger pour comprendre la situation énergétique et environnementale d’un pays industrialisé comme le Royaume-Uni, où 79% des foyers sont chauffés au gaz naturel. Le chauffage et l’eau chaude domestique comptent pour 85% de l’énergie consommée dans les habitations, ce qui représente 25% de la demande énergétique et 19% des émissions de dioxyde de carbone des anglais. À titre indicatif, la totalité des bâtiments consommerait 46% de l’énergie annuellement au Royaume-Uni.

Encore des efforts

BedZED est une véritable source d’inspiration et un exemple à suivre pour sa performance énergétique, sa gestion efficace de l’eau et sa gestion des matières résiduelles. BedZED a pu réduire considérablement l’empreinte écologique de ses occupants, les outillant par la même occasion, sans toutefois modifier leur style de vie. Malgré le tour de force réalisé à BedZED, BioRegional constate dans son rapport de mesure et vérification de 2007 que d’y habiter ne permet pas encore d’atteindre l’objectif du développement durable. En effet, l’empreinte écologique durable d’un humain devrait représenter l’utilisation des ressources de 2 hectares, soit l’équivalent d’une planète si tous les humains vivaient équitablement, et le résident exemplaire de BedZED atteint l’empreinte de 3 hectares. Il y a là matière à réflexion.

En attendant, il n’y a pas de logements disponibles à BedZED et la liste d’attente est longue…

Commentaire de l’auteur

La prochaine fois que vous entendrez parler de bâtiment vert, dîtes-vous bien que nous en avons encore beaucoup à apprendre pour intégrer les impacts de notre mode de vie et assumer le véritable développement durable. Pour ce faire, l’habitation doit devenir plus qu’un simple bâtiment.

Notes

HODGE, Jessica et HALTRECHT, Julia. BedZED Monitoring Report 2007, BioRegional Development Group, 44 p.

LAZARUS, Nicole. Beddington Zero (Fossil) Energy Development, Toolkit for Carbon Neutral Developments – Part II, BioRegional Development Group, 51 p.

kelcun, Office National du Film du Canada , 2009
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En 1973, Gilles Carle réalise La mort d’un bûcheron, variation sur les thèmes qu’il avait déjà abordés l’année précédente avec La vraie nature de Bernadette. Ce film, présenté par le réalisateur lui-même comme «une analyse en profondeur, une sorte de critique de Bernadette, avec/sur la vraie nature» (1), met à l’avant-scène le thème de l’exploitation des femmes et, plus encore, celui de la réappropriation de soi; thèmes dont les trois personnages féminins du film sont des déclinaisons. Chacun des trois personnages féminins créés ici par Gilles Carle se présente donc comme autant de formes d’affranchissement et de reprise de pouvoir. Dans La mort d’un bûcheron, la femme mène une quête vers la libération et c’est souvent à même les corps mis à nus qu’elle se vit.

Au coeur du récit, Marie Chapdelaine

Le spectateur se retrouve d’abord face à la quête de Marie Chapdelaine, une belle jeune femme de 21 ans, qui part de Chibougamau pour se rendre à Montréal où elle espère retrouver son père, bûcheron disparu et qu’elle n’a jamais vu. Le comportement de Marie a d’intéressant la richesse de ses variations : à la fois déterminé, mais aussi naïf et qui la conduira à se faire exploiter, Marie évoluera au travers de ses expériences pour s’affranchir finalement de ses obsessions du passé. Son arrivée à Montréal représente un point tournant dans sa vie : elle a quitté Chibougamau avec audace, allant même jusqu’à cacher la véritable raison de son départ à sa mère. Égarée dans cette ville trop grande pour elle, Marie fait confiance aux gens qui lui font miroiter l’espoir de retrouver son père. François Paradis, d’abord, qui lui laisse entendre qu’en tant que journaliste chez Pulpe et Papier, il peut avoir des contacts dans le milieu des bûcherons; puis Armand St-Amour, qui est la seule personne qu’elle rencontre qui ait connu son père, et qui lui promet de lui présenter son ancienne amante, Blanche Bellefeuille. Les deux hommes profitent de l’espoir qu’elle entretient à l’idée de retrouver son père, abusent de sa confiance et exploitent son corps : dès le départ, Armand la fait chanter «topless» dans son bar western et quand, plus tard, Marie cède aux pressions de François et quitte cet emploi, elle devient pour lui un modèle payant qui lui permet de se pavaner et d’espérer obtenir un meilleur travail. En effet, ce dernier lui sert d’agent de casting et lui propose des contrats où elle est photographiée nue et il va jusqu’à l’offrir en pâture au dirigeant d’un grand journal, laissant du coup le spectateur face au spectacle érotique et quasi troublant de Marie mimant le fauve à la chasse. La caméra se fait à la fois voyeuse et amoureuse. Le corps de Marie ainsi exposé sert de moment-clé à partir duquel sa vie bascule.

Du reste, cette première partie du film se termine mal, en atteignant un paroxysme de violence et de manipulation psychologique. La caméra suit Marie qui tente de fuir le club Rodéo puis François. Elle se retrouve finalement sur la route vers le Nord à la recherche de son père, en compagnie de sa voisine Charlotte, de Blanche Bellefeuille et de Armand St-Amour. Cette seconde partie du film signe l’affranchissement de Marie. Vers la fin, lorsque François vient la rejoindre sans prévenir, elle lui demande de lui faire l’amour, jouit pour la première fois et lui signifie clairement qu’elle ne souhaite plus le revoir. Ce faisant, Marie se réapproprie son corps et dans le même temps s’affranchit du joug masculin.

Apprenant le décès de son père dans des événements violents ayant eu lieu au camp de bûcheron, elle se trouve finalement libérée du poids d’un passé inconnu, obsessif, et est maintenant prête à affronter son futur. S’adressant en voix-off à son père, elle conclut: «Cher papa, je ne sais pas ce que je vais faire. Tout aurait été tellement mieux si tu étais resté avec nous maman et moi. Moi aussi j’ai honte aujourd’hui, mais je ne pleure plus, je n’ai plus de larmes. Je vais chercher du travail à Montréal, peut-être… mais je ne sais même pas taper à la machine. Papa, qui est-ce qui peut m’aimer?»(2).

Deux visions complémentaires

Bien que secondaires au récit, les deux autres personnages féminins de La mort d’un bûcheron offrent elles aussi, des témoignages forts sur la quête d’affranchissement. Blanche Bellefeuille est présentée comme une femme blessée, blasée et se donnant un air écoeuré, verre de scotch en main, lorsque Marie la rencontre pour la première fois. Elle se démarque par son langage cru, au juron fréquent. Dans l’ambiance usée du club Rodéo, elle essaie de dominer l’espace qui l’entoure, mais son jeu ne fonctionne plus avec les habitués : «Tout le monde sait que les hommes t’ont fait souffrir»(3) lui lance Armand. «Lâche-moé, crisse, les hommes m’ont pas fait souffrir pantoute, surtout pas toé, Armand, avec ta petite queue de trois pouces!»(4). L’effet est amplifié par la construction du film qui laisse entendre que, plus jeune, Blanche Bellefeuille a dû se prostituer. Comme Marie, elle s’est elle aussi laissée entraîner dans le cycle de l’exploitation du corps, cycle dont elle a voulu sortir en quittant son mari (resté au camp de bûcheron comme cuisinier) et en se créant un amour idéalisé avec Tancrède, le père de Marie. Pourtant il la quitte à son tour, la laissant une fois de plus dans un univers dur qui peu à peu l’engloutit et sur lequel elle essaie de garder une emprise.

Pierre Ethier, Chloé Ste-Marie.
Une Femme en or !, 2009
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Au cours du voyage vers le camp de bûcheron, Blanche s’associe à Marie chez qui elle retrouve une partie de son amour perdu. Finalement, c’est à la mort de Ti-Noir, son époux devenu fou, qu’elle parvient à laisser véritablement tomber son masque et à boucler son destin. En lavant et habillant son corps, elle parvient elle aussi à faire la paix avec elle-même et avec son passé.

Charlotte Juillet, quant à elle, représente dès le départ la femme émancipée. Habitant seule et vivant de sa plume, elle fait de la défense des droits des femmes une cause personnelle. Elle multiplie les écrits pamphlétaires (Marie lit, par exemple, «… sans parler de la femme, aliénée par un contexte religieux puissant, colonisée par son mari et soumise à tous les mythes judéo-chrétiens ambiants»(5) sur la pile de pamphlets à cacher que vient lui porter Charlotte) et se porte ouvertement à la défense des femmes qu’elle croise, Marie en tête de file, mais également la femme qui tient le magasin général où ils s’arrêtent en route vers le Nord. Elle a décidé d’élever son enfant seule, choisissant un homme au hasard pour la procréation. Dans le film, elle offre à Marie un nouveau modèle de femme et, en prenant plusieurs fois position contre les agissements de François Paradis, lui permet de se sortir de sa position de victime.

Conclusion

Dans l’ensemble, les trois femmes du film se répondent et se complètent, offrant finalement un nouveau regard féministe sur la place et le rôle des femmes dans la société québécoise de l’époque. Soyons clairs, toutefois. Le cinéma de Gilles Carle n’est pas un cinéma féministe, tel que défendu par les théoriciennes de la première vague, tout d’abord parce que Carle est un homme (6). En revanche, il offre au spectateur des portraits de femmes solides, peu communs dans le cinéma des années 70.
Ainsi, à une époque où le cinéma québécois aimait bien déshabiller les femmes pour le plaisir – pensons aux classiques du genre comme Valérie, L’initiation ou Deux femmes en or – Gilles Carle se présente plutôt comme un cinéaste qui filme amoureusement des corps, tout en projetant l’image de femmes frondeuses. De fait, le corps des femmes s’associe, dans La mort d’un bûcheron, davantage à leur pouvoir qu’à leur victimisation, autant dans l’orgasme de Marie que dans la grossesse de Charlotte. Dans les deux cas, la libération de leur sexualité va de pair avec leur autonomisation et c’est en cela que Carle se démarque et prend position. D’autant plus que c’est également ce qu’on nous présentait dans La vraie nature de Bernadette, l’année précédente, signe de l’importance de ce discours dans les films qu’il tourne dans les années 70.

À l’occasion du décès de Gilles Carle, en novembre 2009, on a beaucoup parlé dans les médias de sa passion pour les femmes, que certains ont même présentées comme ses muses. Chloé Sainte-Marie, sa conjointe, bien sûr, mais également Carole Laure (à qui l’on doit, notamment, le personnage de Marie Chapdelaine dans La mort d’un bûcheron) et Micheline Lanctôt, sublime Bernadette de La vraie nature de Bernadette. Chez Gilles Carle, les femmes sont fortes et essentielles. Tellement, qu’on ne peut qu’approuver Odile Tremblay qui écrivait dans Le Devoir, le 30 novembre dernier : «Du Viol d’une jeune fille douce en 1968, à Pudding Chômeur, en passant par La Vraie Nature de Bernadette, La Mort d’un bûcheron, La Tête de Normande Ste-Onge, Fantastica, Maria Chapdelaine, etc., que de femmes il aura placées au bord du gouffre ou à la tête des eaux, entre écrasement et libération, ou vice-versa!»(7).

Notes

(1) GERMAIN, Georges-Hébert. «Pour un “cinéma” d’auteur – une interview de Gilles Carle par George-Hébert Germain», dans La Presse, 27 janvier 1973.
(2) CARLE, Gilles. Scénarios 2, Éditions Boréal, Montréal, 2005, p.208.
(3) CARLE, Gilles. Op. Cit., p.165.
(4) CARLE, Gilles. Op. Cit., p.165.
(5) CARLE, Gilles. Op. Cit., p.160.
(6) À ce sujet, on pourra lire des textes fondateurs du mouvement féministe au cinéma, notamment ceux de Laura Mulvey et de Claire Johnston.
(7) TREMBLAY, Odile. «Gilles Carle 1929-2009 – L’oeil phare de nos libérations s’éteint», dans Le Devoir, 30 novembre 2009, [www.ledevoir.com/culture/cinema/278280/gilles-carle-1929-2009-l-oeil-phare-de-nos-liberations-s-eteint], consulté le 10 décembre 2009.

Mark Cosgriff, Atheism , 2007
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The predominant historical cause of Western atheism was, until the 21^st century, the increase and development of scientific knowledge available to human observation. The discovery of electricity made Zeus’ ‘thunderbolts’ obsolete; they remain part of our consciousness only as a classical poetic metaphor. In ancient Greece as far back as the 5^th c. BC, the question of injustice unaddressed spurred skeptics to doubt the supremacy of the gods over human life. One specific example was Diagoras of Melos; he was reported to have impiously chopped up a statue of Herakles for firewood, and condemned for revealing the Eleusinian mysteries (which, he noticed, drew the ire of men but seemed not to perturb the ‘gods’ whose existence he denied). For these things, and his atheistic statements, he was charged with blasphemy and, according to Diodoros, forced to flee Athens; but despite the large bounty on his head, he escaped to Corinth, where he died. He was a disciple of Democritus, founder of the Atomists, who believed that the material world had no need of supernatural forces to keep it in place. Over two millennia later, Cambridge physicist Steven Hawking’s revelations in quantum physics, space-time and the event-horizon of ‘black holes’ in his now famous book, A Brief History of Time, continued the scientific tradition of offering answers to questions about the universe by observing data from the knowable world around us. But in the last decade, some of the most religious and unscientific people on the planet are the reason for atheism’s growing dominance over Western intellectual and scientific thinking.

Mark Cosgriff, lunar guardian, 2009
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From these thousands of years ago until very recently, atheism has been regarded as, if not an outright crime, a degenerate belief, and the term ‘atheos’ was reserved for those who, like Socrates, were thought to corrupt morality with their free-thinking impiety. Coined for English from the French atheisme in the late 16^th century, “atheist” was not a label even philosophes like Diderot, Voltaire and Rousseau, or their English counterparts like Mill, Jefferson or Paine, wanted to be associated with, calling themselves ‘deists’, which allows for a ‘god’ but one which does not intervene in human affairs or the laws of nature. In the 20^th century, Albert Einstein, who sometimes infelicitously used the word ‘God’ as a metaphor for the unknown[i], completely disassociated himself with God in the Judeo-Christian sense, to tremendous criticism from Jews and Christians who considered atheism “un-American”:[ii] « I have repeatedly said that in my opinion the idea of a personal God is a childlike one. You may call me an agnostic, but I do not share the crusading spirit of the professional atheist whose fervor is mostly due to a painful act of liberation from the fetters of religious indoctrination received in youth. »[iii] This idea that atheism was a petulant reaction to an unhealthy religious upbringing – and perhaps the neuroses this might spawn – was one reason atheism was implied, but not overtly asserted, by intellectuals of the time. Again, in the 20^th century atheism was primary associated with communism, which to post-WWII society in the West was unpatriotic and grounds for the most extreme forms of censure and legal persecution.

What is it which now leads scientists and political revolutionaries – who since the Age of Enlightenment have been the only vanguard of self-professed, (if passively practiced) atheism in European history – to find themselves part of an ever-advancing movement to assert atheism as a necessary corollary to rational thinking?* In part, it is of course the tremendous discoveries made by science in the last 10 years, from mapping the human genome to aspects of deep space revealed by transmissions from the Hubble telescope. But there is another factor even more powerful, that has brought together great minds from not only the scientific community, but also the intellectual, cultural and political spheres of the Western world as well: the growing concern that it is religion itself which threatens the future of human existence on planet Earth; in the 21^st century, ‘the crusading spirit of the professional atheist’ is precisely what is beginning to characterize the rational mind in the West, provoked to its limits of tolerance by the events of 11 September, 2001.

Atheism, Atheism , 2009
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In his book, The End of Faith: Religion, Terror and the Future of Reason, Sam Harris, a Stanford philosophy graduate and founder of The Reason Project, outlines what he sees as world-threatening dangers of religious faith in an age of advanced technology and instant communication. The problem is that religion demands the suspension of reason, faith in patently untrue things, and a willingness to assert as fact what can not be known. Imagining the last day of the life of a suicide bomber, Harris shows how religious faith triumphs over the interests of our common humanity. Taking heinous examples of religiously inspired violence throughout Judeo-Christian-Islamic history, (of which there are no shortage,) Harris makes an unassailable case for condemning religion itself as the root cause of so many of the irrational horrors perpetrated by humankind; but in large part the book constitutes a strong indictment of Islam as a religion that glorifies and demands anti-human behavior, such as suicide bombing as ‘martyrdom’ and the murder of non-Muslim people (bin Laden’s ‘jihad’). In a later book, he extends his alarm to Evangelical Christianity:

“It is, therefore, not an exaggeration to say that if the city of New York were suddenly replaced by a ball of fire, some significant percentage of the American population would see a silver lining in the subsequent mushroom cloud, as it would suggest to them that the best thing that is ever going to happen was about to happen: the return of Christ. It should be blindingly obvious that beliefs of this sort will do little to help us create a durable future for ourselves, socially, economically, environmentally or geopolitically…The fact that nearly half the population [of the U.S.] believes [that the end of the world would be glorious] purely on the basis of religious dogma, should be considered a moral and intellectual emergency.”[iv]

Christopher Hitchens, journalist, literary critic, champion of free enquiry and writer of God is Not Great: How Religion Poisons Everything, turns his attention to the generally anti-humanist aspects of faith and the specific atrocities accepted by the major books of monotheism, the Old and New Testaments of the Bible, and the Koran. He cites their justifications for such abhorrent practices as genital mutilation and asks if, but for religion, anyone would otherwise condone them. He denounces our complacency in allowing laws which defend religious beliefs, which he sees as clearly perverse and indefensible. “Doubt, skepticism, and outright unbelief have always taken the same essential form as they do today. There were always observations on the natural order which took notice of the absence or needlessness of a prime mover. There were always shrewd comments on the way in which religion reflected human wishes or human designs. It was never that difficult to see that religion was a cause of hatred and conflict, and that its maintenance depended on ignorance and superstition.”[v] What is more, Hitchens, a former ‘Trotskyist’ and leader of the left, became a vocal and public supporter of the Bush administration’s war on Iraq, arguing that Western values such as freedom and democracy were threatened by unreasonable levels of religious tolerance, while Islamic militants with no intention of reciprocating that tolerance continued to kidnap and behead Westerners and wreak havoc not only on foreigners but on any of their own people who would not conform to fundamentalist views.

Fiona Moore, Atheism Week at ANU,
2009. Certains droits réservés.

But his main argument focuses directly on the connection between deadly force and religion: “The nineteen suicide murderers of New York and Washington and Pennsylvania were beyond any doubt the most sincere believers on those planes. Perhaps we can hear a little less about how ‘people of faith’ possess moral advantages that others can only envy.”[vi]

Evolutionary biologist Dr Richard Dawkins, (author of, The Selfish Gene), Darwinist extraordinaire and secular humanist in extremis, has stated in the very title of his latest book that belief God is a nothing more than a delusion. He believes that only by promoting atheism, and especially by prohibiting children to be indoctrinated into religious faith, can the future of science and humankind progress. He is also revolted by the social and political aspects which deform the societies of the religious, but above all Dawkins deplores the ‘smallness’ of dogma when the vast challenges of life on earth, and the discoveries of space are all before us. Science and technology have given us images from the Hubble telescope which have redefined our knowledge of the edges of the universe, illuminated the nature of dark matter, showed us evidence of how galaxies and planets like ours evolved. The mapping of the human genome has given us overwhelming evidence for the evolution of species and has made his bête noir, ‘intelligent design’ look as ridiculous as crude Biblical creationism.

But science aside, Dawkins deplores religion for its justification of extreme violence:

“Our Western politicians avoid mentioning the R-word (religion) and instead characterize their battle as a war against ‘terror’, as though terror were a kind of spirit or force, with a will and mind of its own. Or they characterize terrorists as motivated by pure ‘evil’. But they are not motivated by evil…they are motivated, like the Christian murderers of abortion doctors, by what they perceive to be righteousness, faithfully pursuing what their religion tells them…they perceive their acts to be good, not because of some warped personal idiosyncrasy, and not because they have been possessed by Satan, but because they have been brought up, from the cradle, to have total and unquestioning faith.”[vii]

One thing which is particularly repellent to Harris, Hitchens and Dawkins is the idea that religion cannot be criticized simply because it is a matter of individual belief, that there is a sacrosanct quality to the vicissitudes of irrational beliefs when they are part of ‘faith’, and that this is precisely what makes religion incompatible with rational decision-making and scientific discourse.

“The danger of religious faith is that it allows otherwise normal human beings to reap the fruits of madness and consider them holy. Because each new generation of children is taught that religious propositions need not be justified in the way that all others must, civilization is still besieged by the armies of the preposterous. We are, even now, killing ourselves over ancient literature. Who would have thought something so tragically absurd could be possible?”[viii]

Their respective theories about atheism as an imperative philosophy for the 21^st century, their appeal to humanity for a change in the zeitgeist, stem directly from what they see as the threat, posed by all religions but presently being most violently acted upon by Islam, to overpower our Western way of life, by demanding more and more ‘rights’ for those who would deny rights of any kind to non-Muslims. Whereas in the United States since the time of Ronald Reagan, there had been a somewhat powerful Evangelical Christian contingency that effectively lobbied Republicans to create a stifling “religious right”, who were hoping to turn the clock back on women’s rights and establish the U.S. as a “christian nation”, and who went on during the Bush administration to attempt to end the teaching of evolution in schools in favor of ‘intelligent design’, now, argue Dawkins, Hitchens, Harris, Daniel Dennett, and many others, fundamentalist religion is posing a constant and imminent threat to our very lives. In fact, Dawkins has devoted an entire new book to the refutation of Creationism, called The Greatest Show on Earth: the Evidence for Evolution, currently the #1 best seller in the English-speaking world.[ix]

Shawn McClung, Jihad , 2009
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In the Age of Obama, then, atheism is being promoted by intellectuals as not simply a final departure from the cultural remnants of belief in God or a mere rejection of traditional religion, but as a prerequisite for being part of the enlightened community of science, intellectual and cultural activity, and a barometer for rational thought and mental soundness in general. To be religious, they say – to hold any religious beliefs whatever – is to ally one’s self with that element in today’s world that would seek to eliminate the freedom of science to answer the questions posed by the human mind about our environment. It is to reject the notion of universal human rights, to censure free thought, the right to privacy, and individual autonomy, and to tolerate and even condone the very forces which are most ruthlessly lethal to our global civilization.

* There is one other notable category of self-proclaimed atheists that doesn’t get nearly enough credit for their ground-breaking faith busting: comedians. The late George Carlin was a relentless critic of religion, as were Lenny Bruce, Bill Hicks, and today, Eddie Izzard, Ricky Gervais, Janeane Garafolo, Sarah Silverman, Lewis Black and many, many others.

(Niki Lambros also writes The Poliskeptic, a weekly blog on politics and society: http://www.lepanoptique.com/category/formats/blogues/nikilambros/)

Notes

[i] Dawkins, Richard, The God Delusion, Bantam Press: UK; 2006, pp. 35-37.

[ii] When George H.W. Bush was campaigning for the presidency in Chicago, Illinois, August 27, 1987…Robert I. Sherman, a reporter for the American Atheist news journal, asked whether he would “recognize the equal citizenship and patriotism of Americans who are atheists.” Bush replied, “No, I don’t know that atheists should be considered as citizens, nor should they be considered patriots. This is one nation under God.” (http://www.positiveatheism.org/writ/ghwbush.htm)

[iii] Albert Einstein in a letter to M. Berkowitz, 25 October 1950.

[iv] Harris, Sam, Letter to a Christian Nation, Knopf Doubleday, US; 2006.

[v] Hitchens, God is Not Great Great; How Religion Poisons Everything, Warner Books, USA; 2007, p. 255.

[vi] ibid., p. 32.

[vii] Dawkins, Richard, The God Delusion, p. 342.

[viii] Harris, Sam, The End of Faith: Religion, Terror, and the Future of Reason, WW Norton & Co. NY, USA; 2004.

[ix] http://richarddawkins.net/thegreatestshowonearth

Lois Siegel, Yousuf Karsh , 1968
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Yousuf Karsh, photographe portraitiste, est né le 23 décembre 1908. Il est décédé en 2002. En 1999, son nom faisait partie de la liste du International Who’s Who des cent personnes les plus influentes du XX^e siècle. Il en était le seul Canadien et le seul photographe: sans surprise, il avait réalisé le portrait de la moitié des autres célébrités dans cette liste.

Se retrouver devant une épreuve originale de Karsh est saisissant: il est difficile d’en détacher le regard. Il s’en dégage une forte impression de maitrise. L’environnement dans lequel le sujet s’inscrit résulte souvent d’une mise en scène. L’arrière-plan comme les accessoires offrent un ancrage et prennent une valeur symbolique, que ce soit des sculptures pour Henry Moore et Giacometti, des peintures pour Chagall, une cigarette pour Humphrey Bogart ou un mobilier pour Elizabeth Arden. L’éclairage se montre volontaire et soigné, avec des contrejours accentués. La composition se présente de façon rigoureuse, utilisant parfois le triangle classique, parfois le rectangle moderniste. La lumière artificielle combinée au piqué extrême des images crée une forte sensation d’espace et confère une touche surréaliste à la texture des visages et des vêtements. Les noirs sont profonds et les gris, d’une grande étendue tonale. On sent les sujets de Karsh pris au filet, à la fois soumis et rebelles sous le regard du maitre. Le spectateur se retrouve à son tour pris au même filet.

Musée des sciences et de la
technologie du Canada, Karsh,
créateur d’images , 2009
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Au XIX^e siècle, le portrait a permis à la photographie de connaitre ses premiers succès marchands et d’alimenter ses progrès techniques. Le premier studio de portrait commercial s’est ouvert dès 1840 et on estime que 90 % de toutes les photographies prises au cours des dix années suivantes consistaient en portraits. Cet intérêt s’est maintenu jusqu’à ce jour. La photographie a démocratisé le portrait jusqu’alors réservé à ceux qui pouvaient commander les services d’un peintre. La vanité a amené les gens ordinaires au studio du photographe portraitiste. Baudelaire l’a décrite dans sa critique acérée du Salon de 1859: «La société immonde se rua, comme un seul Narcisse, pour contempler sa triviale image sur le métal (1)» (ce métal se réfère à la surface du daguerréotype, support photographique courant à cette époque). Baudelaire lui-même s’est quand même fait photographier par Nadar et par Carjat. La photographie a inventé le portrait psychologique, qui gagnera en spontanéité à mesure que les émulsions deviendront plus rapides. En peinture, le portrait présentait une approche convenue, dépourvue de naturel. En photographie, il se produit, à l’instant surréaliste du déclenchement de l’obturateur, une conjonction entre le sujet et le portraitiste que ni l’un ni l’autre ne maitrise parfaitement. Le portrait photographique permet de faire ressortir la personnalité profonde de celui ou celle qui se présente devant l’appareil en s’insinuant derrière son masque, souvent même à son insu. Il révèle aussi de façon détournée les gouts et les opinions du photographe portraitiste. Le portrait photographique a légitimé une représentation et une connaissance subliminale des personnages historiques qui échappent à toute autre forme d’expression. Il a créé le phénomène même de la célébrité.

Le bon portraitiste sait doser l’approche spontanée et l’approche directive. Cet amalgame constituait le grand atout de Karsh. Pour photographier les personnages publics à la personnalité forte, il faut soi-même avoir une forte personnalité. On disait Karsh à la fois plein de charme et d’audace. Il s’est beaucoup déplacé pour aller photographier les gens dans leur environnement propre; il voulait ainsi révéler ce qui se dissimule derrière le visage de ses sujets. Il se renseignait abondamment sur eux. Il se voyait plus portraitiste que photographe. Il possédait une conception classique du portrait, privilégiant la précision et l’absence de détours. Il a résolu le problème épineux du placement des mains en les mettant tout simplement en évidence dans plusieurs de ses portraits même. Il a, par ailleurs, débordé de ces limites en composant certains portraits par surimpression de plusieurs négatifs. Depuis 1956, il opérait avec une chambre photographique 8 x 10. Très tôt, il a adopté un éclairage de studio élaboré comprenant jusqu’à cinq sources. Bourreau de travail, il réalisait en moyenne 250 séances de pose par année.

Musée des sciences et de la
technologie du Canada, Karsh,
créateur d’images , 2009
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Karsh a légué plus de 10 000 portraits. Il vouait un véritable culte aux héros et s’était donné comme mission de constituer une collection de portraits de tous les gens importants des domaines artistiques, scientifiques et politiques. La liste des célébrités qu’il a photographiées en 60 ans de carrière étonne. Dès 1946, il publie un recueil de portraits intitulé Faces of Destiny, un «beau livre» comme il y en avait peu à l’époque. Ce livre sera suivi de 20 autres, dont deux posthumes. Dans plusieurs de ces ouvrages, Karsh ajoute des textes qui relatent sa rencontre avec ses sujets. En 1987, Bibliothèque et archives Canada établit la Collection Karsh qui comprend 350 000 négatifs, diapositives et épreuves recouvrant la production du photographe pendant 55 ans. Les œuvres de Karsh font également partie de la collection de plusieurs musées de par le monde, notamment le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art à New York, l’Art Institute of Chicago, le Museum of Fine Arts à Boston, le Philadelphia Museum of Art, la National Portrait Gallery à Londres, la Bibliothèque nationale de France à Paris et le Musée national d’art moderne à Tokyo. Karsh a reçu en 1990 la distinction de Compagnon de l’Ordre du Canada laquelle reconnait l’œuvre de toute une vie et le mérite exceptionnel de personnes qui ont apporté une contribution extraordinaire au Canada et au bien de l’humanité.

Jean-Pierre Naud, Yousuf Karsh , 1975
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Karsh est né dans la partie arménienne de la Turquie en 1908. En 1922, sa famille se réfugie en Syrie. Karsh arrive au Canada en 1925. Il fait ses premières classes en photographie au studio de son oncle George Nakash à Sherbrooke. Celui-ci le recommande ensuite à John Garo auprès de qui il servira d’apprenti de 1928 à 1931 à Boston. Garo est alors le portraitiste le plus éminent des États-Unis. Auprès de lui, Karsh se familiarise non seulement avec l’art de la prise de vue, mais aussi avec les techniques les plus avancées du travail en laboratoire. La qualité de ses tirages demeurera une de ses marques de commerce tout au long de sa carrière. De retour au Canada, Karsh lance son propre studio à Ottawa. Très tôt, il aspire à la célébrité et il mènera sa carrière avec ce but en tête. Il se lie avec le premier ministre canadien Mackenzie King. Son portrait de Winston Churchill, le «bulldog anglais», pris en 1941 lors d’une visite au Canada, lui confère une notoriété immédiate. Ce portrait fait le tour du monde en couverture du magazine Life. Avec un aplomb qui lui est propre, Karsh décide alors de profiter de la présence d’un grand nombre de personnalités réfugiées en Angleterre durant la Deuxième Guerre mondiale. Il traverse l’Atlantique malgré les sous-marins ennemis pour orchestrer une série de séances de pose à l’automne 1943: il venait de poser les premiers jalons de son corpus.

Le studio Karsh of Ottawa a fonctionné durant 60 ans. En 2009, cette ville rend hommage au grand photographe portraitiste avec le Festival Karsh (www.festivalkarsh.ca). Le Parcours Karsh guide le visiteur à travers une suite de 11 sites d’exposition répartis dans la ville, comprenant, entre autres, Bibliothèque et archives Canada, le Musée des beaux-arts du Canada, le Musée Bytown et le Musée des sciences et de la technologie du Canada avec l’exposition phare Karsh: créateur d’images.

Notes

(1) BAUDELAIRE, Charles, Litteratura. [en ligne]. <http://baudelaire.litteratura.com/?rub=oeuvre&srub=cri&id=467>. Consulté le 19 aout 2009.

Claus G. Wolf, Working men of all countries , 2005
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Une des solutions proposées pour régler les problèmes de l’industrie de l’automobile en Amérique du Nord, et qui a largement été implémentée, est de se défaire des boulets que sont, pour les chefs d’entreprises des trois grandes compagnies, les avantages sociaux de leurs travailleurs, gagnés de haute lutte. Lorsque les affaires vont bien, les maîtres de la planète, enivrés par la puissance de leur richesse, sont prêts à faire quelques concessions aux classes subalternes, mais dès que les choses tournent au vinaigre, nous voyons les masques tomber et le vrai rapport de force entre deux classes fondamentales reprendre toute son envergure. Nous proposons ici d’approfondir la réflexion en nous attardant à la critique des nouvelles théories néo-harmonistes du capitalisme issues du keynésianisme avec Paul Mattick, syndicaliste et économiste marxiste et publiées dans son livre Crises et théories des crises(1).

Selon Mattick, pour comprendre la théorie de Marx, il faut saisir le fait que les rapports de classe revêtent dans le capitalisme l’aspect de simples rapports économiques: «[v]aleurs et prix sont des catégories également fétichistes, eu égard aux rapports de classes concrets qui les sous-tendent(2)». L’exploitation du travailleur par le capitaliste revêt la forme d’un rapport d’échange entre deux individus libres et égaux où le surtravail du premier est masqué dans le salariat. L’accumulation est la source de toutes les crises, mais chaque nouvelle crise porte des traits qui lui sont propres. «Si la crise trouve sa raison dernière dans le capitalisme lui-même, chaque crise particulière se distingue de celle qui l’a précédée, précisément à cause des transformations permanentes qui affectent à l’échelle mondiale les relations de marché et la structure du capital(3)». C’est-à-dire que les comparaisons de la crise d’aujourd’hui avec celle de 1929 n’ont qu’une portée scientifique limitée. De plus, la concurrence internationale entre États pour la domination du marché mondial a des effets importants sur le dénouement de la crise. On n’a qu’à penser à la montée du fascisme en Europe dans l’entre-deux-guerres ou aux aventures militaires occidentales au Moyen-Orient aujourd’hui.

Les crises sont donc un moyen de rétablir une proportionnalité entre le travail nécessaire et le surtravail correspondant aux nouvelles forces productives. Cette proportionnalité est constamment à redéfinir en raison du caractère anarchique du mode de production et d’échange capitaliste, qui est fondamentalement instable. «La résorption de la crise renvoie non pas au rétablissement d’un équilibre disparu, mais à un élargissement de la plus-value, réussi malgré la dynamique continue du système, et condition préalable à une nouvelle phase d’expansion(4)». Avec cette dernière crise, le capitalisme n’a pas échoué, il n’a fait que ce qu’il tend naturellement et périodiquement à faire.

La crise est la condition nécessaire à la reprise économique et ceux qui veulent ou pensent pouvoir l’empêcher de se répéter à l’avenir n’ont rien compris à sa dynamique. La solution de rechange consiste à mettre fin à ce système économique irrationnel et lorsqu’on fait partie de ceux qui en tirent profit, on ne cherchera surtout pas s’engager dans cette voie.

Suburbanslice, John Maynard Keynes , 2009
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De plus, le capitalisme, grâce au crédit et au système bancaire a créé tellement de médiations entre l’exploitation du travail et la réalisation du profit qu’on ne peut plus voir très clairement le fonctionnement de ce que Marx appelait le processus d’ensemble. Le mieux que l’on pouvait proposer jusqu’à maintenant pour minimiser l’effet des crises, était le keynésianisme: «[s]elon Keynes, la dépression devait être combattue à l’aide d’une politique d’expansion mise en œuvre par l’État et fondée sur un mélange de mesures monétaires aux effets inflationnistes et de travaux publics financés au moyen de déficit budgétaire(5)».

Étant liée à la vision de d’équilibre stationnaire, la théorie de Keynes, selon Mattick, ne se souciait ni de développer une théorie des crises, ni de rendre compte de la dynamique du système. De plus, elle ne pouvait être appliquée que dans le cadre d’économies nationales sans pouvoir avoir d’effets significatifs sur le marché mondial. Sa première mise en application est de plus liée à des politiques belliqueuses et destructrices: «[l]’économie mixte prit aussi en premier lieu l’aspect d’une économie de guerre et mit un terme à l’état de crise, qui semblait être permanent, par la destruction d’une masse énorme de valeurs-capital et l’extermination mutuelle des producteurs(6)».

Dans le chaos de l’après-guerre, la «nouvelle économie» dirigiste est devenue pour un temps l’idéologie de la classe dominante qui y voyait un moyen d’augmenter ses profits tout en éloignant le jour de la prochaine crise. La prospérité subséquente fit oublier les bienfaits de l’économie keynésienne et on retourna aux doctrines du libre-échange et de la dérégulation. «Non seulement l’ingérence de l’État dans l’économie fut considérée comme superflue, mais on l’accusa même d’entraver la liberté de mouvement du capital, c’est-à-dire qu’on lui reprocha de freiner le développement(7)».

Les manifestations purement externes et épiphénoménaux du capitalisme déterminèrent encore une fois les tendances de l’économie politique bourgeoise. On développa de façon incroyable le secteur financier et le système de crédit en croyant avoir trouvé une poule aux œufs d’or capable de nous fournir des retours toujours plus grands. Mais comme le souligne Mattick, «[a]lors que l’extension du système du crédit peut représenter un facteur d’ajournement de la crise, il se transforme en un facteur d’aggravation dès lors que la crise éclate, du fait de l’ampleur de la dévalorisation du capital(8)». La bourgeoisie ne sachant que faire théoriquement se rabat sur la pratique. Elle augmente l’exploitation des travailleurs et tente d’éliminer les avantages sociaux des salariés.

Dans les moments de crises, les théories économiques harmonistes et équilibristes ne savent plus quoi suggérer pour s’en sortir. «L’économie politique bourgeoise ne pense pas en terme de production de valeur et de plus-value. À ses yeux, le profit n’est pas censé être le facteur déterminant de l’économie ni de son développement; mieux, elle va même jusqu’à récuser l’existence du profit(9)». Par contre, on peut encore trouver quelques âmes rationnelles pour appeler un chat un chat. Divers groupements anarcho-communistes viennent de sortir un communiqué sur la récente crise économique, « La solution à la crise proposée par les capitalistes et les gouvernements demeurera une solution capitaliste. Ce ne sera pas une solution pour la classe populaire. En effet, comme dans toutes les crises, les travailleurs, les travailleuses et les pauvres payent–tandis que le capital financier est renfloué avec des sommes énormes(10)».

Phill Davison, A working class hero
is something to be!, 2009
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L’hypocrisie des dirigeants est dévoilée sans ambages, et le fait que ceux-là s’appuient tantôt sur les lois du marché, tantôt sur l’interventionnisme de l’État et des accords multilatéraux ne fait que renforcer la conviction qu’ils sont prêts à tout pour sauver leurs meubles:« [l]e renflouement des banques ne montre pas seulement les intérêts que l’État sert, mais aussi l’hypocrisie de l’attachement des capitalistes au libre marché. À travers l’histoire, les capitalistes se sont accommodés du marché quand il leur convenait, et de la régulation étatique et des subventions quand ils en avaient besoin(11) ».

Les crises ne provoquent pas à elles seules des révolutions. Tout système économique, malgré ses limites objectives, peut se maintenir en place tant que les classes qui subissent son exploitation acceptent de jouer son jeu. Le capitalisme crée ses mécontents, mais ceux-ci doivent se reconnaître entre eux et lutter en solidarité de mille et une façons. La tendance aux crises est inhérente au capitalisme et la tendance à la révolte est inhérente à l’esprit humain. Quand les deux se rencontrent, le monde peut changer.

Notes

(1) MATTICK, Paul, Crises et théories des crises, Éditions Champs libres, Paris, 1976.

(2) MATTICK, op.cit., p.71.

(3) MATTICK, op.cit., p.113.

(4) MATTICK, op.cit., p.175.

(5) MATTICK, op.cit., p.189.

(6) MATTICK, op.cit., p.194.

(7) MATTICK, op.cit., p.199.

(8) MATTICK, op.cit., p.206.

(9) MATTICK, op.cit., p.211.

(10) Communiqué communiste libertaire sur la crise économique mondiale et la réunion du G20, En ligne, http://anarkismo.net/article/10683, page consultée le 22 novembre 2008.

(11) Communiqué communiste libertaire sur la crise économique mondiale et la réunion du G20, art.cit.

Régine Debatty, David -Ivar Herman Dune aka
Yaya at the Gallery Lucile Corty in Paris, 2008
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There is a picture of Damien Hirst on the cover of the September 15, 2008 issue of Time Magazine. (1) He is dressed up like Bono, making an awkward face, and pulling at his collar like a cut-rate Rodney Dangerfield impersonator. The headline reads: “Artist As Rock Star” (2), and the caption says: “Next week, Damien Hirst expects to sell more than $100 million worth of work at auction. Is this the end of art or the start of something new?” (3).

Around the same time this hyped-up cover caught my eye, I received an invite to an exhibit in Paris at Galerie Lucile Corty for a two-person show by Marlie Mul—–who I knew about in connection to her work with the art collective International Festival—–and David-Ivar Herman Düne, the singer-songwriter behind the band Herman Düne, whose 2006 album Not On Top spent more time on my iTunes than anything else released that year. While it is not unusual for a musician, especially one with any sort of sub-cultural clout, to display work in a contemporary art context, it was the first time I could recall that a songwriter I had spent so much time listening to had shown in an upscale commercial gallery in Paris.

Both the Damien Hirst Time Magazine cover and the David-Ivar Herman Düne Paris exhibit bring us close to some of the most problematic questions surrounding the value, perhaps even the cultural necessity, of perceived authenticity in both music and art. The headline “Artist As Rock Star” suggests that the previous term “art star” insufficiently summarizes Hirst’s $100 million Southeby’s pay day, and that “rock star” brings us closer to the scale and pop culture heft of Hirst’s financial windfall.

And then I am in Paris, at Galerie Lucile Corty, looking at the drawings of David-Ivar Herman Düne. Damien Hirst, like all the other millionaires who have little to do with my daily life, seems a million miles away. My first impression is that Düne’s drawings are better than I expected. Most revolve around the character Blue Big Foot, who is a rather literal and unspectacular representation of his name. There is a large drawing of Big Blue Foot next to a Herman Düne song lyric, followed by a series of extreme close-ups. A close-up of a blue shoulder is underlined with the caption: “my shoulder hurts.” At the centre of the series is a larger close-up of blue fur with a rounded outer edge—perhaps the creature’s belly, but it might also be series of small ocean waves, or even a pattern of relatively pure abstraction.

There is another series of drawings on the opposite wall, like panels in a comic strip, in which Big Blue Foot wanders around in nature. The black and white backgrounds offset the calm happiness of Big Blue Foot. It is a comic strip in which nothing happens; Big Blue Foot tramps aimlessly through the grey world until the final drawing where, still surrounded by peaceful nature, he falls asleep. Clearly, it is not any particular content that makes these drawings compelling, but their style: simple and charming. Big Blue Foot’s facial expression is distinct in each drawing. He is wandering but he is also searching. There is genuine curiosity in how this character takes on the black and white world.

I spend a long time with these drawings, then head upstairs to see the work of Marlie Mul. It is unfair to compare the work of Marlie Mul and David-Ivar Herman Düne. They are from different worlds, have different theoretical frameworks and approaches, and share nothing apart from their dealer, Lucile Corty. However, I am going to attempt a comparison anyways.

Marlie Mul’s work is a series of three sculptural configurations. The first resembles either an architectural maquette of scaffolding for a future-forward Parthenon or the base of a modernist, glass-top table. The second also suggests furniture, a cabinet or plinth, but is abstracted to a degree where it is difficult to find any concrete reference. The third reminds me of two candleholders or vases. All three configurations are made out of Styrofoam but each is painted to suggest some other material: wood, gold or bronze, and plastic. Therefore the material as well is abstracted beyond recognition. Overall, the exhibit gives the impression of very weird, theoretically motivated, furniture.

The artist statement says these objects “play with a sense of order and factors of decoration and ornamentation taking their inspiration from classically known European sculpture and decorative arts.”(4) They reference “social and ideological aspects seen in medieval cathedrals but also Walter Gropius’ inspiration for Bahaus in Weimar.” During her process, the Styrofoam “is cut into small cubes, making it possible to create organic but controlled shapes. By experimenting with different sizes of cubes the artist experiments with proportion and scale,” creating “a fractal object that roughly looks the same at any scale.”(5)

I basically like the work of Marlie Mul: it is intriguing, provoking a desire to learn more about its aims and methods, displaying a complex engagement with its materials and reference points. But my thoughts about the work itself are overshadowed by the ways in which the contrast between the two shows feels like such an intense illustration of the divide between contemporary art and rock ‘n’ roll, almost a caricature of opposing world views. Where David-Ivar’s work is naïve, autobiographical, somewhat narrative and straightforward, Mul’s is difficult to place, playing with structural complexity and multi-layered historical investigations, employing formal strategies that defy any easy narrative reading. The contrast between Düne and Mul re-focuses the way I experience these works. While it is tempting to think that Mul’s high art framework feels old-fashioned in comparison to Dune’s more recent reference points, it is also true that, within his own context, David-Ivar’s influences are equally classical: Robert Crumb, Bob Dylan, Leonard Cohen, The Velvet Underground, Jonathan Richman, etc. In fact, many of Düne’s influences would be contemporary with someone like Donald Judd, the artist Marlie Mul’s work, at least in spirit, most recalls.

Jeff Berman, Damien Hirst is a Sick Puppy (2), 2005
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This comparison gets us closer to some of the questions surrounding authenticity that are raised by the high art / rock ‘n’ roll divide. Because it is difficult for me to imagine, during the sixties, someone like Bob Dylan showing his drawings in the same gallery as Donald Judd, though I am certain similar things occurred frequently. I suspect this lack of imagination on my part has something to do with our times. A sixties spirit of freedom and experimentation in which one can easily imagine Judd showing alongside Dylan is no longer the context in which Judd is shown today. He is blue chip now: museums and market. And in such a context, juxtapositions of this nature give a rather different feeling, the feeling that musicians want something from the art world (money) and the art world wants something from musicians (“street cred”, connection to life outside of the art world).

When I arrive back on the main floor I learn that there is more to be seen downstairs, where I find myself looking at another wall of David-Ivar drawings. These ones are more in keeping with my original expectations: small comics that would not feel out of place in a fanzine. Two images, in particular, cast a sharper light on questions of music and art.

In one, Big Blue Foot exclaims, “NOT FUNNY,” and goes on to say:

I have never thought and I hope I will NEVER think that it could be funny in any way, to be ambiguous, or provocative…especially when it comes to historical crimes, mass murders or racism…. I am particularly annoyed and hurt by people not being careful about World War II

And in another Big Blue Foot says, “I’M SORRY,” and continues, “What does it really take to apologize? There is no other way.”

I started writing this article with the assumption that the contemporary art scene accepts, even encourages, the participation of musicians like David-Ivar Herman Düne in hopes of catching a little bit of spill-off from the street-level authenticity of rock ‘n’ roll. I had thought the fact that no one really believes in such authenticity any more was (more or less) beside the point, since even if you are skeptical about authenticity’s underlying structures (publicity aimed at youth, for example), the feeling that something might be ‘authentic’ continues to have some kick, to give energy. And all of this might still be true.

But looking at the drawings in the basement of Galerie Lucille Corty, I suddenly felt that, in this case at least, David-Ivar was bringing something else to the table, an incredible earnestness and sincerity it is difficult to imagine arising organically within the business-as-usual formalism and irony of so much contemporary art. Such emotional earnestness could easily get you laughed out of art school, is almost impossible to contextualize with a quote from Deleuze or Foucault, yet coming from a musician (since sentiment is always permitted in, and is perhaps even the main point of, pop music) it can enter art through the back door.

It is easy to be critical of, and also extremely easy to satirize, contemporary art and the culture that surrounds it. I do not want to do this. It is in fact too easy. I very much believe in art – as a social phenomena, as a cultural value – and am disappointed that so many exhibitions leave me with a gnawing feeling of emptiness. I am wondering what is missing from much art, even from art that on other levels we might consider strong. I notice that the music I listen to rarely leaves me with a similar empty feeling and wonder why this is.

Both Mul and Düne are sincere in their practices. (We can be more skeptical about Damien Hirst’s intentions.) And yet David-Ivar’s work, in a visual art context, appears to possess an excess of sincerity, a down-to-earth earnestness we don’t expect to see when we walk into an upscale gallery. He is sincere not only about the work he is making and showing but also, in his songs, about what it feels like to fall in love and, in some of his drawings, about the things in life that excite and upset him. Contemporary artists like Bas Jan Ader, Sophie Calle, and Tracy Emin also allow this kind of sincerity into their work. But unlike them, Düne focuses less on personal pain and more on his frequent feelings of calmness, excitement and happiness.

My point is not that Düne is a great artist who should be emulated, but rather that, coming from a different context with different experiences and values (and, compared to most contemporary artists, under-educated), he brings something unexpected into the gallery. This is what we might hope for when artists cross over the dividing line between their respective art forms. Aspects that are plentiful in pop music are rare in visual art, and vice versa: for example, instances of criticality in popular music are also few and far between. In writing this article, I fear that I too could be accused of being naïve, of not taking into full account the force of the market in these dynamics, of praising artistic qualities that are subjective and, in a political sense, not necessarily progressive. However, a feeling of emptiness is not what one should expect when going to look at art. And sentiment and earnestness remain some of the strongest ways to let in the flood of emotional reality that, in both our lives and work, has the power to keep such emptiness at bay.

References

(1) This text was written before the crash. Obviously the art market has changed considerably in the intervening period.
(2) Time Magazine cover, September 15, 2008.
(3) Ibid.
(4) Marlie Mul artist statement, Galerie Lucile Corty, September 12, 2008.
(5) Ibid.

Ella Novak, obscene chicken , 2006
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Dennis Cooper est probablement l’auteur de sa génération qui prend le plus au sérieux le parti de l’obscène. En 1989, Closer ouvre le cycle de George Miles, auquel succèdent Frisk (1991), Try (1994), Guide (1997) et Period[i] (2000); kaléidoscope sexuel et violent qui fait couler beaucoup de sang, beaucoup d’encre et beaucoup de sperme. Le tout contenu dans une esthétique punk et une narration ultra-efficace. Cet article est l’occasion de faire un retour sur les trois premiers romans de ce cycle, suivant ainsi notre propre rythme de lecture… et de relecture.

Mise en situation

Critique d’art, nouvelliste, romancier, dramaturge, poète et fondateur en 1976 du magazine Little Caesar, Américain préférant résider à Paris, Dennis Cooper est un auteur accompli. Bien que son œuvre regroupe différents genres littéraires, c’est à ses romans que nous nous attarderons ici. Chacun d’entre eux a reçu des critiques de plus en plus élogieuses au fur et à mesure de la construction de son cycle. Sa présence tient de l’apparition et ses écrits, du plus pur soufre. À ce sujet, signalons que son roman The Sluts (2004) obtient le prix Sade en 2007.

Cooper représente la frange la plus marginale d’une tradition d’écrivains américains que le public connaît principalement par le biais de l’auteur (le plus mainstream de cette bande qui n’en est pas une) des géniaux American Psycho (1991), Glamorama (1998) et Lunar Park (2005): Bret Easton Ellis. Cette tradition fut mieux connue en France grâce à l’œuvre de Guillaume Dustan qui s’en est inspiré. Mais qu’est-ce donc que ces écrits transgressifs qui ne dépareraient pourtant pas la bibliothèque idéale de Bernard Pivot? On le compare autant à Jean Genet qu’à Arthur Rimbaud ou William Burroughs. Dans un style contemporain, proche du punk et du rock, s’appuyant sur une logique formelle stricte et un style au plus proche du langage parlé des adolescents, c’est un tourbillon qui nous est donné. Qui témoigne d’un abandon à l’intérieur d’un cadre irrémédiable, cruel et néanmoins anecdotique.

Premier roman du cycle de George Miles, Closer nous présente George Miles – un adolescent à la beauté obsédante, complètement passif, passionné de Walt Disney et d’acides – à travers le regard des nombreux personnages qu’il rencontre et qui prennent la parole à tour de rôle. Frisk est quant à lui le récit à la première personne de Dennis. Il entremêle les souvenirs d’une série de photos vues dans sa jeunesse à ses aventures sexuelles, prolongées dans l’assassinat de jeunes hommes dans un moulin aux Pays-Bas. Try reprend de manière plus syncopée la forme de Closer. Les regards tournent cette fois autour de Ziggy, un adolescent abusé par ses deux pères (ses parents adoptifs) et auteur d’une revue sur les abus sexuels intitulée I Apologize. Que pourrait-il bien arriver ensuite? La vis semble folle. Tout finit toujours mal (euphémisme!). Chaque roman porte l’obscène à un niveau toujours plus élevé. Et pourtant, la lecture de ces livres procure une jouissance autant sensuelle qu’intellectuelle.

Obscénité: l’individu objectivé

De quoi est-il question dans ces romans? De sexe. De pratiques sexuelles hardcore[ii] dans des petites villes (américaines) comme tant d’autres. En particulier chez les adolescents, dans les derniers contreforts de la morale, c’est-à-dire les non adultes. C’est le dangereux sujet de la sexualité des mineurs qui est exploré, sujet tabou à notre époque de l’enfant-roi. La sexualité exprimée de façon aussi explicite dérange parce que, justement, il s’agit de la période durant laquelle l’individu devrait commencer à découvrir cette part de lui-même. Et que cette phase de la puberté est racontée par la plupart des écrivains de façon romantique, à l’aide de deux ou trois personnages du même âge. Il est surtout question, à la manière d’un Diable au corps[iii] ou d’un Lolita[iv], de rapports sexuels entre un adolescent (tout particulièrement) et des adultes (surtout). Sauf que l’idée de consentement est ici risible.

Nul n’est besoin de rappeler à quel point il est jugé incorrect de percevoir l’abus de façon quotidienne; surtout, avec un certain accord (ou du moins une certaine inertie) de la part de la victime. Les propos sont terribles, peut-être parce qu’il n’existe aucune explication, excuse, ou pitié. Et c’est là le pacte que l’auteur passe avec son lecteur: ce dernier doit assumer le fait que ce qu’il lit le dérangera au plus haut point. Et qu’il devra passer outre cette horreur (s’il décide de considérer ainsi le propos) pour que se dévoilent à lui les discours sous-jacents. Ainsi peut-on parler d’une distanciation qui, créée par un surplus de contenu obscène, rend l’identification impossible. Ce que nous montre Dennis Cooper, ce sont des êtres perdus, tous plus monstrueux les uns que les autres, tous négligeables. Tous, enfin, incapables d’aimer autrement qu’en détruisant ce qui les attire et que nous pouvons très justement nommer les objets de leurs désirs. Car l’être humain ne vaut rien dans ces pages. Il ne vaut pas plus que la musique qu’il écoute, le peu de nourriture qu’il ingère ou les ambitions (nulles) qu’il nourrit. Ce qui nous est donné à voir: une désillusion totale dans un univers amoral où l’individu se monnaie toujours, croît dans la corruption, l’abus, et finit en objet inutilisable, en victime anonyme. Il s’agit d’un sacrifice, non pas au bien commun, mais au plus offrant. La liberté se confond avec la solitude, l’isolement. On en vient à se demander pourquoi personne – l’école, les parents, les amis, la société – ne réagit.

Voilà ce qui choque. Voilà la première lecture. On ne sait rien de plus qu’avant d’avoir ouvert le livre. On est touché par la violence. On reste confondu par cette écriture qui ne semble jamais s’ouvrir au lecteur et qui préfère lui faire miroiter toutes les facettes d’un objet irrésistible et mystérieux. Certains rient. Certains s’excitent. D’autres abandonnent. Mais le texte hante les pensées et l’on se sent pris de l’envie (irrépressible, incompréhensible) de rouvrir le volume.

Notes

[i] Ces cinq romans sont publiés en langue française aux éditions P.O.L., sous les mêmes titres.

[ii] Le sadomasochisme (SM) est considéré comme un sport par le personnage de Ziggy (dans Try) lorsqu’il le compare à ses propres pratiques sexuelles. Il est bien clair que le but de l’acte sexuel (contrairement au SM) n’est plus ici la jouissance des deux (ou plus) partis en présence.

[iii] Raymond Radiguet, Le Diable au corps, Paris, Grasset, 1923 [pour la première édition].

[iv] Vladimir Nabokov, Lolita, Paris, Olympia Press, 1955 [pour la première édition].

Libby Rosof, Rubens Ghenov, 2008
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John Cage : « There is no such thing as an empty space or an empty time. There is always something to see, something to hear. In fact, try as we might to make silence, we cannot. For certain engineering purposes, it is desirable to have as silent a situation as possible. Such a room is called an anechoic chamber … a room without echoes. I entered one at Harvard University years ago, and heard two sounds, one high and one low. When I described them to the engineer in charge, he informed me that the high one was my nervous system in operation, and the low one my blood in circulation. Until I die there will be sounds. »

As soon as I start to speak, I misrepresent what I mean to say. I make noise. I send out words intending to point at and reach towards silence, but manage in the end only to get turned around, misdirected, and to point only towards a failure, an impossible longing for something to say. For there is a touch of nostalgia in what Cage is saying. As if silence were something we’ve lost and might hope to find again, to rebuild, if only … we had the right technology? As if silence were, perhaps, what we all long for (Dionne Brand).

Certainly, Maisonneuve longs for it. Sieur, Paul de Chomedey, first govenor of the city but transplanted by the novelist Robert Mazjels into present day Old Montreal, talking and talking as if to defy all that and those that tempt him to abandon his failing colonial mission. « Then he says no more. It’s not merely that speech is physically taxing; the sound of his own voice is unbearable to him. Vain chatter. Self-absorbed yammering. Oh, how he longs for the peace of his own silence. To be free at last from ambition, pride. Desire. To abandon himself completely and irrevocably to Her; to those loving arms, that gentle bosom, golden hands, alabaster cheek, dark downcast eyes, perfect lips, to the blessed fruit of her womb… to be released from himself ». To be released, into the silent abandon of desire, from himself, from the weight and the noise of himself that he bears like a cross upon his shoulder dragging noisily against the sidewalk behind. As if himself, his identity, the role he has chosen to play, of founder and hero, stands between him and his own desire to let himself get carried away. Unable to still, himself, to silence the incessant yammer of his hero’s ambition and founder’s pride, voices more powerful than his own impose in the end that silence upon him. And so Maisonneuve, in Mazjels’ novel anyway, remains alone. Untouched. Under arrest.

Earl Tremblay, the anti-hero of Robert Morin’s cult classic, Yes, sir! Madame (1994), likewise longs for, and fails to find, in time, that silence. Narrated in both English and French by Tremblay’s simultaneous, and increasingly unfaithful, self-translations—which he expects will make this « a real fuckin canadian movie »—the film ends on a sequence by a lake in parc LaVérendrye where Tremblay watches a group of naked men, women, and children swimming together silently. To a man virtually destroyed by the violent cacaphony of his own conflicting voices, this silent group seems almost exotic, attractively foreign, fascinating, for how, though they do not speak, they seem not only to get along, and enjoy themselves, but to understand one another and act in concert, effectively, even in crisis.

And there is a reason for that. Silence, pragmatically speaking, is useful—for certain purposes … desireable. In Wasela Hiyate’s, « Jeanne Mance Park », for example, the narrator, a young woman, is « tickled » with anticipation at the thought that the young man who is not yet her lover, Maxime, is about to tell her « what sounds like a sexy story ». Though it isn’t, really, a sexy story. Not explicitly anyway. Though that may, after all, be what sexy is all about. And so the story goes. On the first day in the dojo, he recalls, Maxime and his martial arts teacher « just stood there… facing each other. Two people standing, not moving, not talking, just breathing ». « It was intense », he explains. « I lasted a minute. But the next time we stood there for ten. It was all about learning to listen, which requires stillness. You cannot engage properly with an opponent, or, for that matter, a lover, until you’ve understood the violence within yourself ». The violence of identity, the compulsion to produce and preserve a sense of my own self by silencing everyone else that causes, Maxime notes, « so much trouble », for both lovers and fighters he says, but for collaborators too.

Writing, talking is a risk. I risk imposing on another my own misconceptions, and I risk getting trapped, in turn, myself, in someone else’s misunderstanding of what I meant to say. But deciding not to, or being unable to write, is likewise a risk. Unable to speak I risk being spoken for. Unwilling to write I risk being written off.

A soundwalk is a walking tour in which instead of looking, you listen. As I listen, I begin to be able to isolate, identify, and then to reconstitute the relations, perhaps the rhythms and melodies, the textures of the soundscape in which we are daily bathed. But in order to listen, as Maxime is right to point out, I have to be still. I have to stop moving, stop looking around, stop shifting my weight. Even simply walking, and though I do not drag my feet or swoosh the cloth of my clothes, I make noise enough to distract me from the task of listening. However, for the tour to go on I have to keep walking. In order to stop, I have to first have walked. I have to walk in order to get to where I’m invited to stop next. On a soundwalk, then, stillness is what I require, but that stillness in turn requires that I keep moving. Or as John Cage puts it : « What we require is silence. But what silence requires is that I go on talking ».

The question, then, as always is how? How do I go on talking as silence requires if talking simultaneously means imposing some silence somewhere, upon someone, for certain purposes? « How to write », or talk, as the novelist and essayist Gail Scott puts it, « is always the question ».

Working, she describes, with the « materiality of language », with the way « language hits you like mud in the eye », Scott is very conscious of how, in her writing, she may be « projecting (her own) accumulated lack on unsuspecting bodies », effectively « sentencing them ». She is conscious, that is, of how a sentence, in both its linguistic and judicial senses, can « end up being quite binding ». This is important, for instance, when she writes in English about francophone culture in Quebec (Heroine); or when, as a white tourist, she articulates her own anxieties in terms of the kinds of insecurity experienced by the sans-papiers in France (My Paris). Consequently, the experimental quality of her writing project resides in its effort to make her sentences « as fleeting as possible », « more porous ». To let them « fall apart completely », or « fall into other languages ». To « question the sentence in all kinds of different ways ». Which is to say that she builds into the writing itself an awareness that the very condition of language is its power to bind—« in the sense that the sentence ends with a period »—that « a sentence, even if only for a minute at a time, is a way of putting a final point, making a judgement regarding what is perceived ». Though that moment of silence, performed by the period at the end of the sentence, is a risk—risks imposing that violence within its author onto others—it is a risk, Scott decides, that is ultimately worth the while. « While there is an element of judgement in sentences, at the same time, and it’s the reason why I write fiction », she says, « I think of sentences as things that go back and forth between people and back and forth between groups of people. You have to take the risk of that momentary attempt to string things together, to pin things down, in order to communicate with another person ».

I have to risk reducing all of what silence is, to what it isn’t, in order to open up a conversation on what it might be, what it might be useful for. I have to start speaking somewhere in order to get, in the end, at what I might have to say (about silence). And I have at some point to stop speaking entirely (if only for a moment) in order for what I might be saying, in turn, to have occasion to make sense to someone. Or to paraphrase chapter 11 from Lao-tzu’s Tao, I talk and talk and talk, but it is in the silence when I finally stop that the sense of what I say depends. I string the black mark of letters and words along a blank page to express myself, but it is upon the spaces between them—upon the silence of commas and periods—that the reason I speak depends.

So in order to write about silence, for instance, I might forego pretending to say anything myself about it, and collect instead a series of citations from others, re-construct the contexts from which I’ve drawn them, and string them along one after another, allowing myself not to have to make explicit the line of my own narrative, but leave gaps instead between each paragraph, in the silence of which what I might have to say could perhaps better be heard, as if in performance. Like that iconic image of the Mohawk warrior and the Canadian soldier standing still and eye to eye on the front lines of the Oka crisis. What’s so intense about that photo, I think, even today, is that in the stillness of their silent staredown—a silence only augmented by the logic of still photography—I understand that the encounter being captured on film is not only between two men, but between two whole nations rather. It is not only about a golfcourse or a cimetary, a bridge or a blockade in the present, but about the 400 odd years of colonial history that prepares and produces that front line in the first place. I understand, in the stillness of their steady gaze, a whole history of violence and of resistance, and except for that silence, that stillness, none of the intensity and incessance of that history would be audible.

In the meantime, a series of stimulating conversations that started one afternoon at the dog park led to a decision, shared, to write this piece together. In the gap, again, opened up in the back and forth of the collaborative process between our two separate voices, and in the distance between the different disciplines in which we are trained—in those moments when our two voices, like Irigaray’s image of two lips, « non divisibles en unes », refusing to fuse into only one—we might together be better able to embody that kind of silence that we require, but that requires we go on talking to approach.

Moreover, the fact that I would have to translate her voice into our English text—for she writes, as we converse, in French—would provide an occasion to open up another version of those spaces of silence we are after, which Benjamin, in his essay on translation, calls « pure language », upon which, he says, the « kinship » of languages depends. « So far » is it « from the sterile equation of two dead languages », translation « serves the purpose of expressing the central reciprocal relationship between languages ». « Languages » he says « are not strangers to one another, but are, a priori … interrelated in what they want to express ». Languages meet, like tongues, in the « intention » they share, « which no single language can attain by itself, but which is realized only by the totality of their intentions supplementing each other », what he calls « pure language » : that « tensionless and even silent depository of truth which all thought strives for », that « predestined, hitherto inaccessible realm of reconciliation and fulfillment of languages » that lies beyond anything that can be said, that is, in silence.

Talk talk talk, say the tongues, but only of course so long as until they achieve that silence of touch they look to share.

The irony then is that we did not talk enough. Though we talked a lot and agreed, i think, on what we might have to say, we spoke though only too briefly about how in the end we would say it. Perhaps because we do not share the same assumptions about what a text should look like, or perhaps because we too quickly assumed we shared the same understanding of what this text should do and how, or perhaps simply because we ran out of (or did not give ourselves enough) time, in the end, the text I produced in the process of translation did not, as we had planned, produce only moments of silence between our two voices, or between her original French and my English translation, but silenced her voice completely. Unable to find a way to integrate her voice and mine into the same text, or rather, unable to silence my own voice long enough to leave room for hers to take its place, I simply cut hers out completely. And so in turn she removes herself as a signator from this text. If this is perhaps an embarassingly masculine of me, and if therefore the friendship that our conversations were based risks being fractured by my decision to go ahead and publish a text on my own that we failed to produce collaboration, i’m willing to take that risk.

References

Walter Benjamin, « The Task of the Translator » in Illuminations. (transl) Harry Zohn, London : Fontana, 1992.

John Cage. Silence : lectures and writings. Middleton, Conn. : Wesleyan University Press, 1961.

Wasela Hiyate, « Jeanne Mance Park » in Anna Leventhal (ed.), The Art of Trespassing. Invisible publishing (2008).

Luce Irigaray. Ce sexe qui n’en est pas un. Paris : Editions du Minuit, 1977.

Lao-tzu Tao Te Ching. (transl) Victor H. Mair. Bantam Books 1990.

Robert Mazjels, City of Forgetting. Toronto : Mercury Press, 1997.

Gail Scott « In Conversation », in Lianne Moyes (ed.), Gail Scott : essays on her works. Toronto : Guernica, 2002.

— « My Montréal : Notes of an Anglo-Québécois Writer », in Brick 59 (Spring 1998); 4-9.

— Heroine. Toronto : Coach House Press, 1987.

— My Paris : a novel. Toronto : Mercury Press, 1999.

Jessi Olan, Spirit of a dancing lady, 2008
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Salia Sanou et Vincent Mantsoé appartiennent à cette génération qui, tout en étant active dans la formation et la diffusion de leur art sur le continent africain, a porté la danse africaine hors de ses frontières géographiques. Ils font partie de ceux qui ont osé bousculer les idées reçues et amener la danse ailleurs, tant sur le plan géographique qu’esthétique. Aujourd’hui, ils sont sans contredits des figures de proue de la danse contemporaine en Afrique. Chorégraphes et danseurs reconnus dans leur pays respectif, le Burkina Faso et l’Afrique du Sud, ils le sont aussi à travers le monde de par leurs tournées et leurs participations à de nombreux festivals internationaux[2]. Chacun à leur manière, Salia Sanou et Vincent Mantsoé ont contribué et continuent de travailler à faire émerger une danse africaine nouvelle, mais également un discours original sur cette forme d’art. Pour décrire sa pratique, Sanou utilise le terme «danse créative» alors que Mantsoé parle «d’afro-fusion», deux termes qui finalement se rejoignent en ce qu’ils supposent une ouverture de la tradition sur le monde[3]. Cette position de choix sur la scène actuelle de la danse ne s’est pourtant pas faite en rupture d’avec la tradition; Salia Sanou et Vincent Mantsoé ont en commun d’avoir été, d’abord et avant tout, plongés dans les traditions initiatiques et mystiques propres à leur culture. Cette culture, ils continuent d’ailleurs de la célébrer et ils y demeurent fidèles tout en étant ouverts sur le monde.

«C’est au fond de la forêt qu’on creuse le tam-tam pour faire danser tout le village»

Salia Sanou est né à Léguéma, dans la région de Bobo-Dioulasso, au Burkina Faso. Petit fils du chef spirituel et religieux Baba Sourô, il a, parallèlement à l’école occidentale qu’il fréquente, reçu l’éducation traditionnelle en suivant le parcours initiatique que doit traverser tout enfant de Do, l’ancêtre originel du Bobo. C’est à travers ce processus initiatique que Sanou a pris contact avec la danse dans sa dimension non seulement esthétique, mais aussi rituelle et sociale. Ses premières «performances» se sont donc déroulées dans le contexte on ne peut plus traditionnel de l’initiation et de ses fêtes. Le double parcours, occidental et africain, déjà amorcé par la fréquentation des deux «écoles», s’est poursuivi pour Sanou au contact de Mathilde Monnier[4], qui le familiarise avec les techniques et les formes de la danse contemporaine. Loin d’être une fin en soi, cette opportunité d’étudier et de pratiquer la danse à l’étranger sera pour lui un tremplin lui permettant de mieux s’impliquer dans la formation et la diffusion de la danse africaine sur son continent et ailleurs dans le monde.

Vincent Sekwati Koko Mantsoé de son vrai nom, est quant à lui descendant d’une famille de sangomas, guérisseurs traditionnels d’Afrique du Sud (Zulu, Xhosa, Ndebele, Swazi) qui pratiquent une médecine holistique et symbolique. À ce titre, Mantsoé a participé, dès son jeune âge, aux cérémonies rituelles de guérison qui allient l’utilisation de plantes au chant, à la danse et à la musique. Ces pratiques mystiques n’étant évidemment pas destinées à être révélées au grand public, le chorégraphe a dû concilier son désir de porter cet héritage sur scène et le respect de son caractère sacré:

«Traditionally, I’m not allowed to bring sacred movements on stage, everywhere around the world. So it was a question of how I’m going to do this with respect, self preservation and also how to bring the culture into a more open space and bring it into the 21^st century.[5]»

C’est ainsi qu’après avoir obtenu des sangomas la permission d’entreprendre la « diffusion » de sa tradition, Mantsoé continue de les consulter et de leur rendre compte de l’intégration scénique qu’il fait de son rapport mystique au corps et au mouvement. Parallèlement à cet héritage, Mantsoé s’inspire, adolescent, des danses de la rue et de la culture populaire avant de s’ouvrir au ballet et aux traditions asiatiques du Taï Chi, de différents arts martiaux et de la danse balinaise au sein desquelles il retrouve la dimension spirituelle de sa première pratique. Les créations de Mantsoé sont donc profondément ancrées dans le sacré.

«Un morceau de bois a beau séjourner dans l’eau, il ne deviendra jamais un caïman»

Mantsoé et Sanou s’entendent pour dire qu’ils n’ont rien perdu de leur enracinement dans leur tradition au contact de l’Occident. Au contraire, leurs expériences à l’étranger les ont encouragés à entrer dans une dynamique de dialogue avec l’Autre qui ne peut émerger que dans l’écoute et l’affirmation de sa propre voix[6]. Loin de se fermer aux nouveaux apprentissages et aux nouvelles influences, ils ont tous deux tenté de se les approprier pour mieux exprimer leur propre sensibilité esthétique et leurs prises de parole à travers le mouvement.

C’est en ce sens que Mantsoé insiste sur l’importance pour le danseur d’asseoir sa pratique sur une connaissance de lui-même et de sa culture avant de pouvoir aller véritablement à la rencontre de l’autre:

«For me, I have to understand who I am, where I come from, in order for me not to be confuse having to bring traditional forms into my work. If I know exactly who I am and where I’m going, and what I’m doing, from my own culture, I’m showing respect for myself, for my own culture, for where I come from. Than, it’s possible for me to do the same process with different cultures.»

Salia Sanou ne dit pas autre chose lorsqu’il écrit, poétique:

«Affirmer son appartenance à une culture permet une meilleure connaissance de soi et par conséquent, de l’Autre. Une identité culturelle affirmée est une couleur d’une infinie richesse ajoutée à la fresque de la vie. […] La différence n’est belle que confrontée à d’autres. Faire le choix de la confrontation, c’est s’ouvrir, c’est se donner aux rencontres, c’est regarder et se laisser regarder.[7]»

Pour Mantsoé, c’est sans doute le rapport sacré au corps et au mouvement qui demeure la trace de cette identité première dans sa pratique de chorégraphe contemporain. En fait, selon lui, le danseur doit être en contact avec ce qu’il appelle «les forces de la nature»: il doit utiliser «l’esprit du mouvement». Concrètement, Mantsoé crée et amène ses danseurs à travailler avec le souffle, le pouvoir de la respiration plutôt qu’avec les muscles ou la force physique. Il invite à une prise de conscience de ses propres ressources intérieures et des forces subtiles qui nous entourent. En suivant cette démarche, le danseur est, à son avis, plus à même d’exprimer la nature de ce qu’il est sans avoir à forcer quoique ce soit ni à imiter qui que ce soit:

«If I see a choreographer or a dancer doing something and I see that there’s something special there, but something is missing, why not nurture them into the same form, make them grow and be more special, be themselves, not to be somebody else. They must not be fake, they must be themselves, better. Et voilà! That’s all, to make them more rich and more secure. They have to be secured about themselves. That’s how I see dance should be developed.»

Ce n’est qu’à travers ce processus parfois très long, aux dires de Mantsoé, que les gestes du danseur manifestent l’équilibre et vont alors au-delà du «faire», du «bouger», de la «performance» et incarne l’essence du mouvement. Ce faisant, le danseur devient le véhicule d’une énergie fondamentale qu’il peut transmettre à son public. Selon Mantsoé, peu importe le bagage culturel du spectateur, celui-ci peut être touché par ses chorégraphies, pourvu qu’il soit prêt à tenter la rencontre véritable, à entreprendre ce voyage dans un monde où il n’a pas nécessairement de repères.

Bien que sa démarche chorégraphique soit tout aussi unique que celle de Mantsoé, Salia Sanou va dans le même sens lorsqu’il affirme que ce qu’il retient de la tradition dans sa création contemporaine, ce sont d’abord les valeurs fondamentales de sa culture. La vérité est au centre de celles-ci: pour Sanou, l’authenticité du mouvement importe avant toute chose. Peu importe que l’on parle de tradition ou de modernité, l’essentiel est «de ne pas trahir sa voix intérieure». Pour lui, danser est un acte authentique, une prise de parole qui se droit d’être vraie:

Le corps est véridique, il ne ment pas. Quand tu montes sur scène et que tu n’es pas sincère, le public le voit. Même dans la vie de tous les jours, ça se voit. On peut tout de suite repérer l’authenticité d’un corps. Il y a un dialogue qui s’instaure, et c’est ce qui est intéressant.[8]»

Sans cette fidélité à sa voix intérieure, aucun dialogue et aucune transmission ne seraient possibles. Ainsi, les recherches chorégraphiques de la Compagnie Salia ni Seydou partent toujours d’improvisations autour du vécu des danseurs. La création se fait ainsi sans aucun a priori quant aux formes traditionnelles ou contemporaines que ces vérités intimes prennent d’abord pour s’exprimer dans les corps des danseurs. Le travail du chorégraphe, explique Sanou, est de savoir fédérer ces «voix» personnelles autour de la thématique commune pour arriver à une proposition esthétique cohérente.

C’est en ce sens que Salia Sanou affirme que les danseurs africains actuels sont des «danseurs de vie», qu’ils ont en commun de «danser la vie dans toutes ses nécessités». Forts de leurs traditions ou de leur formation contemporaine, ils sont vivants, en pleine évolution, à la recherche d’eux-mêmes et du récit dont ils se feront porteurs. Selon Sanou, le danseur ne peut faire fi des contingences du monde dans lequel il vit, ne serait-ce que parce que son corps y est quotidiennement confronté, qu’il en porte la trace et en garde la mémoire: «Chorégraphes et danseurs africains ne peuvent éviter de témoigner et de poser un regard sur les corps malades, sur les corps immigrants, sur les corps méprisés, sur les corps en quête de bonne gouvernance, sur les corps en souffrance et plein d’espoirs.[9]» Selon Sanou, c’est de toutes ces réalités que la danse africaine actuelle témoigne: ce sont ces récits vivants, véridiques, qu’elle ne peut faire autrement que de porter sur scène.

La pratique et le discours de Vincent Mantsoé et Salia Sanou reflètent donc leur profond enracinement dans des valeurs culturelles qui, loin de les immobiliser dans le passé ou de les couper du monde, les amènent à proposer des chorégraphies à la fois très personnelles et très ouvertes. C’est désormais au public d’entreprendre le voyage et de risquer la rencontre.

Notes

[1] Je tiens à remercier Salia Sanou et Vincent Mantsoé qui se sont montrés disponibles pour répondre à mes questions durant la 7^e édition du festival Dialogues de Corps qui s’est tenue à Ouagadougou du 8 au 20 décembre 2008. Je suis aussi reconnaissante à Lacina Coulibaly, danseur de la compagnie Kongo Ba Teria, qui m’accompagne dans mes réflexions sur la danse africaine actuelle. C’est grâce à leurs généreux partages que le présent article s’écrit.

2 En plus de participer à de nombreux festivals internationaux avec la compagnie Salia ni Seydou qu’il a fondé en 1993 avec Seydou Boro, Salia Sanou a été directeur artistique des Rencontres chorégraphiques de l’Afrique et de l’Océan indien de 2000 à 2006. Il est aussi le directeur artistique du Centre de développement chorégraphique La Termitière et du festival international Dialogue de corps qui s’y déroule annuellement. Vincent Mantsoé vit maintenant en France, mais continue de participer à de nombreux festivals internationaux.

3 Bien que les deux chorégraphes s’entendent pour dire que de telles désignations préoccupent d’avantage les théoriciens et les critiques que les praticiens, ils ne se refusent pas à l’exercice de dénomination qui en est aussi un de définition. En ce sens, Vincent Mantsoé utilise le terme d’afro-fusion pour désigner la rencontre, au sein de ses créations, de plusieurs traditions chorégraphique: «Allow me to first define Afro-Fusion (an important vehicle of my work) – different forms of dance (Western and Eastern) and traditional dances are brought together to form one spirit of Dance, as I would like to call it». Sanou a, quant à lui, d’abord opté pour le terme de «danse créative» qui a l’avantage, tout en mettant l’accent sur la valeur inventive, de ne pas reconduire la référence au regard hégémonique de l’Occident sur les danses africaines par l’utilisation des termes «contemporain» ou «moderne». Dans son livre Afrique Danse contemporaine, il privilégie l’expression «danseurs de vie» pour signifier le dynamisme et l’ancrage du danseur africain contemporain dans la réalité qui l’entoure. Nous reviendrons sur cette question.

4 C’est en 1991, à Ouagadougou, alors que Mathilde Monnier est à la recherche de danseurs pour sa création Pour Antigone qu’elle rencontre Salia Sanou. Ce dernier accepte alors de se rendre en France pour participer à cette création.

5 Toutes les citations apparaissant sans références sont des transcriptions d’entretiens avec les chorégraphes ayant eu lieu lors de la 7^e édition du festival Dialogues de corps qui s’est déroulée à Ouagadougou du 8 au 20 décembre 2008.

6 Bien que leur relation avec l’Occident n’en soient pas une de contraintes, ils partagent cette crainte de voir la danse africaine se formater pour répondre aux attentes des programmateurs et des organismes européens qui financent en grande partie le secteur culturel en Afrique.

7 Salia Sanou, Afrique Danse contemporaine, Paris, Éditions Cercle d’Art, 2008, p. 28.

8 «Le corps comme moyen d’expression», entrevue de Salia Sanou avec Joan Tilouine, Afrik.com, [en ligne], http://www.afrik.com/article9771.html. Consulté le 18 janvier 2009.

9 SANOU, Salia, op. cit., p. 30.

Myyorgda, Natural ressources extraction, 2009
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D’importants rapports ont jalonné l’histoire de la gestion des ressources naturelles et ont contribué à modifier notre perception de l’état de la situation environnementale. Au tournant des années 1970, c’est une prise de conscience de la finitude des ressources qui est soulevée par des ouvrages tels que Population Bomb(2) et The limits to grow(3). À la fin du XXe siècle, le constat selon lequel l’humain altère considérablement les écosystèmes est établi et l’on cherche, par le biais d’approches de gestion, de modèles et de techniques, des moyens d’assurer leur pérennité. Dans cette quête émerge une volonté d’équité quant à la redistribution des retombées engendrées par la gestion des ressources naturelles. Le fameux Rapport Brundtland(4) fait un pas en ce sens en assimilant la sphère sociale à celle environnementale. Le Millenium Ecosystem Assessment(5) comporte un chapitre concernant la vulnérabilité des populations dont la survie est intimement liée à la qualité de l’environnement. Parallèlement à ces rapport majeurs, ce sont des groupes minoritaires (ethniques, autochtones, femmes, etc.) revendiquant une place dans la gestion des ressources naturelles qui ont favorisé l’émergence de cette considération sociale. Et la participation de ces groupes ouvre sans contredit des pistes nouvelles pour la gestion des ressources naturelles. Avec cet objectif d’équité, la gouvernance habituelle et le rôle des institutions dans un domaine jusque là tenu et contrôlé par l’État sont remis en question.

Incompatibilités

Les approches de gestion ayant prévalues jusqu’à la fin du XXe siècle ont conduit à fragiliser davantage des écosystèmes déjà vulnérables(6). D’autre part, les sociétés ont accru leur dépendance aux ressources et les groupes minoritaires, marginalisés, ne bénéficient aucunement des retombées. Comment expliquer ces constats? Une partie de la réponse se trouve en regard de certaines incompatibilités entre les systèmes socio-économiques et écologiques(7). Des divergences qui obligent à revoir l’imbrication et les liens entre ces ensembles.

La première incongruité est spatiale et scalaire. C’est en partie ce qui pousse à remettre en question le pouvoir de gérer le bien commun, entre les mains de l’État, propriétaire des terres et des ressources. L’échelle écosystémique locale comme échelle spatiale de référence pour la gestion des ressources naturelles est celle retenue par plusieurs institutions telles que l’Unesco et le Millenium Ecosystem Assessment. Ce niveau d’échelle est d’abord promût par le fait qu’il se définisse par une entité géographiquehomogène (il va sans dire, de taille très variable). De surcroît, ce sont les interactionsexistant entre les êtres vivants et leur environnement qui déterminent la dynamique de cette échelle de référence.

Ainsi, la gestion de la biodiversité nécessite de connaître et decomprendre, au moins partiellement, les interactions écologiques ainsi que les interactionssociété-nature pour pouvoir les gérer. L’identification de ces interactions ne peut être réaliséequ’à partir d’une perception locale – ou écosystémique – des dynamiques en jeu, c’est-à-dire àl’échelle de la perception humaine. En effet, même si le traitement des grands nombres permetd’identifier des corrélations statistiques entre différents paramètres à de larges échellesspatiales, la réalité des interactions décrites est locale.(8)

Aussi, notre horizon temporel est restreint et permet difficilement d’envisager des solutions durables engagées dans la viabilité des écosystèmes et de la biodiversité pour les générations à venir. D’emblée, notre propre durée de vie d’humain biaise notre vision. Aussi, le court horizon temporel politique déterminé par une élection à tous les quatre ans permet difficilement d’engager des actions sur le long terme.

Une incompatibilité est également générée par une vision sectorielle et verticale. L’intégration de multiples données est ardue quand chacun se cantonne dans sa propre discipline, enclavé dans sa science. S’il est vrai que l’interdisciplinarité est maintenant valorisée, c’est que l’intégration de diverses sources de savoirs a fait ses preuves en ce qui concerne les approches de gestion équitable axée sur la viabilité des écosystèmes.

Enfin, les incongruités se prolongent également au niveau fonctionnel et institutionnel. Comme il est rare que les limites territoriales et administratives soient définies à partir la géographie du paysage naturel, elles constituent souvent une aberration pour créer un plan de gestion ou un aménagement durable. Il importe donc de surpasser ces logiques qui génèrent une gestion administrative et sectorielle. De surcroît, en l’absence d’une délimitation cohérente du territoire (sur les plans géographiques, culturels et paysagers), non seulement les différentes politiques publiques perdent de l’efficacité, mais aussi la population locale, tant citoyens qu’élus, se trouve enfermée dans une logique verticale et fragmentaire, alors que d’importantes problématiques appellent davantage à une approche globale. Au final, tous se désengagent des enjeux locaux tels que la qualité de vie et la santé environnementale(9).

Une nouvelle gouvernance

C’est donc ce qui pousse à redéfinir le rôle des institutions. L’État hésite à partager son pouvoir, mais on assiste, progressivement, à l’émergence de nouvelles perspectives dans lesquelles les pôles de décisions sont (dans une certaine mesure) partagés avec des acteurs locaux. Aujourd’hui, on mise davantage sur une collaboration nuancée par les caractéristiques et les besoins du milieu. L’État devient un partenaire de gestion. Cela fait appel à des modes de décisions consensuels où ce dernier n’est plus l’unique responsable de la régulation et du contrôle. La légitimité et l’imputabilité des organes de gestion demeurent l’une des zones grises de ce partage de pouvoir.

Cette nouvelle gouvernance décentralisée questionne la participation citoyenne, la consultation, la concertation, la négociation et la prise de décision. On constate donc un avantage démocratique lorsque la ressource se situe sur un territoire cohérent(10); cela défie les limites politico-administratives et oblige à se mobiliser autour de problématiques communes de développement socio-économique, d’enjeux culturels ou relatifs au milieu naturel. La question de la confiance mutuelle et de la relation entre les acteurs est fondamentale en ce sens. Divers acteurs (citoyens, groupes minoritaires, industriels, élus, instances gouvernementales, etc.) aux intérêts divergents et même souvent contradictoires, doivent s’entendre. C’est, il va sans dire, l’un des grands défis de la gestion des ressources naturelles. Mais le territoire possède cet avantage inhérent d’être mobilisateur, de susciter un sentiment d’appartenance, et «de conduire des acteurs même socialement opposés à travailler ensemble et à se structurer de façon systémique»(11).

Lier les systèmes écologiques et les systèmes socio-économiques

Les approches émergentes tentent de lier les systèmes écologiques et les systèmes socio-économiques autrement que dans le concept du développement durable. L’évaluation environnementale stratégique (en tant que démarche de planification suscitant la participation citoyenne) et l’intégration de critères et d’indicateurs sociaux (tel qu’utilisés en cogestion adaptative pour mesurer la satisfaction des acteurs à l’égard de la gestion des ressources) permettent cette intégration de façon plus concrète. Elles se basent sur l’appartenance des acteurs au territoire, sur la reconnaissance que l’histoire et la culture peuvent générer une autorégulation pour la gestion des ressources.

Chaque situation comporte ses particularités et nécessite son propre modèle. Le défi commun est sans doute d’arriver à lier ces systèmes complexes. Plusieurs incompatibilités les éloignent, mais des similitudes les relient. Certains effets rétroactifs, difficiles à prévoir, sont susceptibles de produire des changements irréversibles de part et d’autre; c’est pourquoi les principes de gestion qui les dictent se doivent d’être adaptables, souples et résilients. Une résilience favorisée par leurs compositions respectives d’une multitude de sous-systèmes. Et finalement, tant dans le système socio-économique qu’écologique, une connaissance contextuelle et historique permet de bien saisir les dynamiques en cours.

Les approches de gestion des ressources naturelles se sont donc, au cours des trente dernières années, territorialisées. L’ancrage est géographique; le territoire, les ressources présentes et les acteurs incarnent un ensemble ayant à définir son propre modèle tout en demeurant en lien avec les processus globaux. Le défi d’en arriver à une gestion des ressources naturelles à la fois durable et équitable impose maintenant d’intégrer l’humain aux modèles conceptuels (plutôt que de traiter ce dernier comme extérieur au système de gestion ou pire, d’occulter sa présence). N’est-ce pas cette omission qui nous a conduits à l’état actuel de dégradation environnementale?

Notes

(1) BERKES, F., J. Colding, and C. Folke (2003). Navigating social-ecological systems: Building resilience for complexity and change. Cambridge University Press, Cambridge, UK. 393 p.
(2) EHRLICH, Paul R. (1968). The Population Bomb, Ballantine Books, États-Unis, 201 p.
(3) MEADOWS, D., (1972). «The limits to growth», New York, Universe Books, 1974, 205 p.
(4) BRUNDTLAND, G. (1987). Notre avenir à tous, Rapport de la Commission mondiale sur l’environnement et le développementde l’ONU, 318 p.
(5) TABLE DE TRAVAIL MA (2005). The Millennium ecosystem assessment, Island Press.[En ligne].
(6) HOLLING, C.S. (1986). The resilience of terrestrial ecosystems; local surprise and global change. W.C. Clark and R.E. Munn (eds.), Sustainable Development of the Biosphere, Cambridge University Press, Cambridge, U.K. Chap. 10, 292-317.
(7) FRÉCHETTE, A. (2009). Évolution des systèmes de gestion et les défis de la congruence. Présentation dans le cadre du cours ENV-7140: Principes de gestion intégrée, Département des sciences de l’environnement, UQAM.
(8) LEVREL, H. (2007). Quels indicateurs pour la gestion de la biodiversité? Paris, Institut français de la biodiversité 99 pages.
(9) ALLIE, L. (2006). Des parcs naturels habités au Québec? Une comparaison inspirée des parcs naturels régionaux français. Inégalités, démocratie et développement, Des enjeux pour la gouvernance des territoires locaux et régionaux. ARUC-ÈS-CRDT-GRIDEQ-GRIR. Rimouski, 303-320.
(10) Par «territoire cohérent» ALLIE, L. Ibid. fait référence à: «(…) un espace de vie collectif partagé et reconnu comme tel qui s’accompagne d’une culture identitaire forte.»
(11) KLEIN, J.-L. (1997) dans KLEIN, J.-L. (2006). De l’initiative locale au développement territorial: une perspective synthétique. Inégalités, démocratie et développement, Des enjeux pour la gouvernance des territoires locaux et régionaux. ARUC-ÈS-CRDT-GRIDEQ-GRIR. Rimouski, p.153-164.